El cine de Ultramundo

Diamond Select Toys Universal Monsters serie 2 Deluxe: Análisis de “Drácula” por Miguel Díaz González

2012-02-02T00:46:00.001+01:00

Continuamos nuestros trabajos con Camiseto Tienda de regalos y en esta ocasión pasamos de un no-muerto a otro. La última vez reseñamos el “Zombie Jason” de “Viernes 13 parte 7” y ahora nos toca el Drácula de “Drácula” (Tod Browning, 1931) ¿o quizás es el de “Una pandilla alucinante” (Fred Dekker, 1987)? Porque esta figura no se corresponde para nada con la película protagonizada por el legendario y maldito Bela Lugosi. Cosa extremadamente rara si tenemos en cuenta que Diamond Select Toys ha clavado los rasgos de Boris Karloff en sus caracterizaciones de “La Momia” y “Frankenstein”.

Los primeros que debutaron con figuras de los aclamados “Universal Monsters” fueron los chicos de Sideshow en un lejano 1998 donde su competencia directa solamente era “Movie Maniacs serie 1”, ya de aquella las figuras de Sideshow se merendaron completamente a McFarlane en lo que ha calidad se refiere, pasó el tiempo y salvo algún tipo de intento cutre, nadie se atrevió a volver a lanzar otra colección sobre estos legendarios personajes de la Universal. Lo cierto es que el Sideshow puso el listo increíblemente, no solo para aquella época, sino de forma intemporal. Esto acongojó a muchas compañía a la hora de tomar relevo, la sombra de Sideshow era muy alargada.

Finalmente en 2010, con el campo de las figuras de acción hecho picadillo por NECA, surge contra todo pronóstico una nueva “Universal Monsters serie 1” de mano de Diamond Select Toys. Aquellas nuevas figuras rivalizaban con las de Sideshow y en algunos casos las superaban con un planteamiento híbrido entre la serie clásica de 1998 y las colecciones de “Now Playing” (SOTA Toys), “Cult Classics” (NECA) o “Movie Maniacs serie 7” (McFarlane). El repentino éxito de aquella colección dejo bastante claro que habría una serie 2, aunque tuvimos que esperar hasta 2011 para disfrutarla, como si fuese un regreso de los planteamientos de serie anuales que hacia Movie Maniacs, a nueva serie por año. Finalmente “Universal Monsters serie 2” contaría de:

-Drácula

-Frankenstein

-La novia de Frankenstein

-Deluxe Drácula

-Deluxe Frankenstein

La figura que nos ocupa realmente es una versión conocida como Deluxe Drácula que es un producto a medio camino entre el pack de lujo y la figura en edición coleccionista. Lástima que para el fan español sean mucho más difíciles de conseguir las figuras de la serie regular que las versiones “Deluxe”, exclusivas de los Toys "R" Us de Norteamérica, desgraciadamente las figuras de la serie regular no cuentan con distribución alguna entre los Toys "R" Us españoles. Cosa que para el coleccionista patrio es una gran cabronada. Lo más destacable de las figuras de esta colección es el increíble uso de dioramas masivos y de packs dobles que hacen (la presente figura puede considerarse pack doble), apostando por dioramas que están al mismo nivel que aquellas joyas vistas en “Movie Maniacs serie 7”, “Now Playing serie 1” o “Now Playing serie 2”, cosa más sorprendente si cabe cuando compañías como NECA está obtando por la completa eliminación de los dioramas y Diamond Select Toys siempre una compañía con un gran regusto por las figuras sobre-articuladas.

HISTORIA DEL PERSONAJE

En inglés:

“Sleeping in a coffin by day and preying on beautiful women by night, the man called Count Dracula is not a man, but a vampire! Following his voyage from the mountains of Transylvania to London, the 1931 Universal adaptation of Bram Stockers novel remains the most iconic”

En español:

“Duerme en un ataúd durante el día y se aprovecha de hermosas mujeres durante la noche, el hombre llamado el Conde Drácula no es un hombre, ¡pero sí un vampiro! Su siguiente viaje le llevará desde las montañas de Transilvania a Londres, la adaptación de la novela Bram Stocker hecha por Universal en1931 sigue siendo la más emblemática”

ESCULTURA: Los personajes de los clásicos de Universal Pictures nunca han destacado por plantear un gran desafío escultórico, quizás las únicas excepciones sean “La Momia” y “La criatura de la Laguna Negra”, curiosamente sus antedecesores directos de cine mudo son mucho más complicados de representar. Esto provoca que más de un escultor se relaje cuando cae en sus manos la tarea de reproducir los rasgos más característicos de estos personajes. Por fortuna ninguna de las figuras de esta colección adolece de este problema, excepto nuestro Conde Drácula y sus dos versiones.

Tanto el “Deluxe Drácula” como el “Drácula” normal tienen prácticamente la misma escultura, con la única diferencia de que la versión Estándar tiene un rostro mucho más agresivo, menos humano y en consecuencia más molón. Mientras que el “Deluxe Drácula” posee un rostro que no denota ningún rasgo estrictamente vampírico a nivel escultórico, otra cosa es que el pintado aporte una piel mortecina que ya evoca a un no-muerto. La escultura genérica del cuerpo es magnífica, con un traje que incluso posee más detalles de los que debería aportando un conjunto un poco forzado (por la pose) y ligeramente artificioso (por el efecto viento de la capa) pero se nota que el/los escultor(es) de esta figura lo han dado todo para que el producto tenga el máximo de calidad posible y el resultado final termina por ser más que notable. Puedo que alguno se sorprenda pues de que comente que la cara presenta problemas de fidelidad y es totalmente cierto porque la figura no se parece lo más mínimo a Bela Lugosi pero es totalmente deliberado, en ningún momento fruto de un error o de la incompetencia del escultor. Si queréis entender porqué la figura no se parece al Conde Drácula de “Drácula” (Tod Browning, 1931) tendréis que ir directamente a la sección de “Fallos Fílmicos”, os vais a sorprender.

Abordando este producto se me hace necesario comentar la escultura del diorama y la del lobo. La escultura del diorama es muy superior a lo que me podía esperar y aporta buenos detalles de diferenciación tierra-roca, un mejor pintado podría haber hecho que este pequeño pedazo de acantilado pudiera lucir en su verdadera gloria. En el caso del “Canis Lupus” que acompaña al vampiro, me encuentro sorprendido con que goza de una escultura mucho más compleja que la de su amo y señor, con una mata de pelo bien elaborada y una escultura facial sobresaliente. De lo mejor que he visto en esculturas de animales cuadrúpedos desde los “Terror Dogs” de NECA.

ARTICULACIONES: Como si fuera un regreso a los viejos tiempos en que las mejores series de “Cult Classics” o “Now Playing” dominaban el mercado. Esta figura presenta una disposición de articulaciones semejante a aquellas colecciones. La figura mueve solamente manos, brazos, torso y cabeza. Un total de 6 articulaciones de las que tengo que advertir seriamente sobre la del torso, que resulta prácticamente infuncional y no es muy recomendable tratar de moverla, salvo que tu objetivo sea romper la figura.

En estos tiempos poder decir esto sobre una figura de 18cm y compatibles es todo un lujo realmente difícil de encontrar. La escasa cantidad de articulaciones ya suele ser sinónimo de que el producto está plateado para lucir en una pose determinada sin muchas posibilidades de variación, cosa que favorece el posible aspecto adulto que pueda aportar la escultura de la figura. En este caso las 6 articulaciones corrían el riesgo de poder estropear el acabado del producto ya que las articulaciones de los brazos eran del tipo “en bola” pero por fortuna están los suficientemente bien incrustadas como para no provocar el menor daño a la escultura, haciendo que este Drácula luzca en todo momento como si de una estatua se tratase aunque puedas variar la postura de los brazos o la cabeza.

Para terminar de realzar el acabado sobrio del producto los chicos de Diamond Select Toys han optado por no incluirle ni una sola articulación al lobo, que ya es simple y llanamente una estatua que puede posar sin problemas dentro y fuera del diorama. A las figuras cuadrúpedas, especialmente las de carácter cánido, rara vez les ha sentado bien que les metan más de 6 articulaciones. Solo hay que comparar al “Predator Hound” de NECA con el “Predator Hound” de Hot Toys para que os hagáis una idea de lo que os digo. Dadas las características de la escultura del lobo hubiese resultado muy temerario incluirle alguna articulación, la única que veo algo factible hubiera sido únicamente la mandíbula. Por esto me parece que el trabajo obrado aquí es, una vez más, sobresaliente aunque no perfecto.

PINTADO: En este caso está perfectamente aplicado, ni siquiera en partes como las uñas o el medallón he podido percibir que un simple pedacito de pintura esté fuera de su sitio. Si se trata de juzgar la aplicación de la pintura estamos ante un producto de 10 sobre 10, en los tiempos actuales se estaba empezando a hacer raro encontrarse productos que tengan pintados de este nivel, muy especialmente en la escala 18cm e inferiores.

Ahora bien, el pintado tanto de este Drácula como de cualquier otra figura de esta colección (puede que excepto la momia) presenta un curioso problema con las tonalidades. La escultura de esta figura es magnífica, el look es perfectamente adulto y las articulaciones son escasas y no estropean el acabado ¿Dónde puede estar el problema? Precisamente en las tonalidades porque tiene un uso de colores excesivamente estilizado, mucho más cercano a las figuras de cómic de “Marvel Select” que a los productos habituales de NECA hasta el año 2009 o de McFarlane. Esta contradicción escultura-pintado ya podíamos encontrarla en muchas figuras de la colección “Cinema Of Fear” que hizo que muchos fans soltasen pestes en su día y sigan haciéndolo hoy. Personalmente a mí no me molesta pero a veces se hecha en falta un pintado más acorde con el realismo de la esculutra.

El pintado que me parece el “aún más perfecto todavía” es el del lobo, no solo porque tiene unas tonalidades ligeramente más realistas que Drácula pese a lucir una gama de colores mucho mas monocromática. Lo que realmente me encandila del pintado del cánido el tratamiento de los ojos, que me ha parecido una auténtica virguería y eso que es la parte con más “estilo cómic” del lobo.

FALLOS FÍLMICOS: Como bien comentaba en la introducción del artículo, este producto lo que intenta vendernos es una especie de figura encubierta del Drácula ochentero de “Monster Squad” (Fred Dekker, 1987) cuyo título en España ha terminado por ser el más rimbombante “Una pandilla alucinante”. Dice el refranero que el camino se demuestra andando y con pruebas tendré que demostrar mis palabras, evidentemente aunque sea una figura de “Una pandilla alucinante”, al ser una versión encubierta no puede tener un parecido muy grande ni con el Drácula de Bela Lugosi ni con el que interpreta Duncan Regehr en “Monster Squad”. Para empezar a demostrar mi acusación, que mejor que un par de capturas de ambos “Dráculas”, a quien se os parece más…

¿a este? “Drácula” (Tod Browning, 1931)

¿o a este? “Una pandilla alucinante” (Fred Dekker, 1987)

Las caras pueden ser el punto más polémico al no reproducir con fidelidad el rostro de ningún actor. Donde me parece que este asunto puede quedar mucho más claro, despejando la duda como la luz del día fulmina a un vampiro, sería en el sub-apartado que suelo usar bajo el nombre de “Proporciones anatómicas”. Vamos a comparar las proporciones de Bela Lugosi con las de Duncan Regehr.

Bela Lugosi en “Drácula” (Tod Browning, 1931)

Duncan Regehr en “Una pandilla alucinante” (Fred Dekker, 1987)

Los grandes fans del afamado vampiro puede que ya hayan descubierto el pastel. Si no lo veis claro no os preocupéis que aquí está un servidor para aclarar este enigma. Los chicos de Diamond Select Toys contaban con los derechos del Drácula de Lugosi para lanzar una nueva figura pero el vampiro clásico estaba muy sobreexplotado en lo que a figuras se refiere pero por otro lado tenemos la versión de “Monster Squad”, que originalmente ya era un remedo “pirata” del de Universal Pictures con mínimos cambios aportados con la idea de no pagarle ni un duro a Universal. Los chicos de Diamond Select Toys debieron pensar “¿Por qué no devolverles la pelota y hacer una versión encubierta del Drácula que ya era una versión encubierta del Drácula de Universal? Total ya que tenemos los derechos del de 1931… ”. La forma de llevar esto a buen puerto es sencillísima, dotas al producto de una escultura facial ambigua, las proporciones anatómicas y el tono de piel del Drácula de “Una pandilla alucinante” (Fred Dekker, 1987) y un traje casi idéntico al de “Drácula” (Tod Browning, 1931) cuya máxima diferencia con la versión ochentera reside en la chorrera y algún que otro detalle. Y ¡voila! Ya tenemos una figura del Drácula de los ochenta sin pagar un duro en derechos de autor. Es sorprendente como Hollywood vampiriza a los vampiros, esto me hace dudar ¿Quién es el verdadero vampiro aquí?

ACCESORIOS: Si digo que esta figura tiene solamente tres accesorios en total cualquiera de vosotros diría que es una cantidad considerablemente escasa pero si estos accesorios resultan ser un espectacular diorama, la fantástica figura de un lobo y la imprescindible capa de Drácula, el tema cambia radicalmente. El diorama hace que suba enteros la presentación de la figura, tanto de altura como de espectacularidad, aunque su mayor error (o acierto, según se mire) es que no representa nada realmente reconocible de ninguna escena que pueda recordar sobre de las películas de Drácula, mas bien parece evocar el arte de las portadas de Frank Frazzetta para “Creepy”o de cualquiera de los otros dibujantes de esta publicación o de “Eerie”, “Vampus” y sucedáneos, porque la combinación de accesorios lo que intenta es congelar un supuesto momento en el que el no-muerto da órdenes al lobo indicándole su objetivo.

Por otro lado tenemos esa reconocible capa negra y roja que aporta un dinamismo, un tanto artificioso, a una figura completamente estática. Esto se consigue precisamente con el efecto “ondeado por el viento” de la capa. La capa tiene más utilidades de las predecibles porque puede quitarse o ponerse a placer y la mano derecha puede posicionarse delante de la capa o simulando que está sujetándola (hay varios ejemplos en las fotos). Quizás lo único que no me convenza de este accesorio, el más imprescindible de Drácula, es que su efecto de ondulado y sus pliegues están demasiado estilizados y tienen un aspecto mucho más cercano al cómic que al de la figura de inspiración cinematográfica.

El otro punto sobresaliente, ya ampliamente comentado en escultura y pintado, es la figura del lobo, Con unos 15 centímetros de largo por 6 de alto transforma este producto en un genuino pack doble ya que de “Mini-figura” no tiene nada. En comparación de escala se trata de un lobo y de los grandes cuya pose firme y acechante está de lo más lograda. La inclusión de esta figura consigue dar a Drácula un aire más destacado como señor de las criaturas de la noche y además el lobo también puede ponerse como figura independiente ya que se sostiene por si solo. El único pero que le veo a la distribución de accesorios es que no se haya decidido incluir algún vampiro como accesorio, cosa que si se hizo con las figuras de los Munsters, porque es el animal más asociado y asociable al vampiro humano, muy concretamente a Drácula. Uno o dos vampiros volando a la izquierda de Drácula y por encima del lobo hubiera elevado considerablemente la espectacularidad del conjunto. Aún así estamos ante una de las mejores figuas que se han hecho sobre el Drácula clásico ¿o era sobre el Drácula ochenteno? Eso ya lo dejo a su elección.

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DC desvela “Before Watchmen”, precuela del cómic “Watchmen” de Alan Moore y Dave Gibbons

2012-02-02T00:44:00.000+01:00

Por fin parece que los señores de DC han conseguido ponerle en los morros un fajo lo suficientemente grande al señor Alan Moore, quien en el pasado se opuso férreamente a que saliera un cómic exclusivamente dedicado al personaje de Rorschach, ese extraño hombre sin rostro a medio camino entre el superhéroe y el Slasher. En verano tendremos “Watchmen” para dar y tomar, ve tú a saber si luego nos encontramos con un “Beyond Watchmen” si este experimento funciona.

Cuando comento que habrá precuela, en realidad tendría que decir “precuelas” ya que cada personaje contará con una colección propia y además cada nuevo número de la colección saldrá a la semana siguiente de haberse publicado el anterior. Estas son las colecciones:

• Rorschach (4 números, Brian Azzarello , Lee Bermejo)

• Minutemen (6 números, Darwyn Cooke)

• Dr. Manhattan (4 números, de J.M. Straczynski, Adam Hughes)

• Ozymandias (6 números, Len Wein, Jae Lee)

• Espectro de seda (4 números, de Cooke, Amanda Conner)

• Búho Nocturno (6 numeros, Straczynski, Andy Kubert, Joe Kubert)

• El Comediante (6 números, Brian Azzarello, J.G. Jones)

Francamente, me da miedo este proyecto. Solo me inspira confianza el equipo que se ocupa de “Rorschach” y “El Comediante”. Hay historias que si ya son muy buenas de por sí, es mejor dejarlas como están.

NECA Terminator Collection serie 2: Customización del “Police Station Assault T-800” por Kam Veitch

2012-02-01T16:29:00.000+01:00

Segunda customización sobre el universo “Terminator” realizada por Kam Veitch. En este caso se trata del recientemente reseñado “Police Station Assault T-800”. La customización simplemente consiste en dotar a las gafas de sol del Cyborg de unas tonalidades mucho más cercanas a las originales y decididamente más realistas. Por esta razón solo os mostramos imágenes de la cabeza, pese a todo sigue sin disgustarme el pintado original de la figura.

NECA revela su nuevo Jason del film “Viernes 13 parte 4” e invita a los fans a que se busquen la vida otras compañías

2012-01-31T21:17:00.000+01:00

Horrizado, así me ha dejado la compañía americana con su nuevo Jason. Cuando vi la nueva figura en “Dread Central” no podía dar crédito a lo que veía. Un Jason espantosamente sobre-articulado con unas nuevas articulaciones en las caderas que le daban un aspecto más cercano a RevolTech que al estilo NECA, con la diferencia de que RevolTech siempre ha tenido ese estilo de hacer las cosas y no ha traicionado a sus fans. Estoy planteándome seriamente dejar de comprar productos de NECA.

Crítica de “Chacal” (Fred Zinnemann, 1973) por Adrián Esbilla

2012-01-31T12:35:00.002+01:00

Ficha Técnica:

Titulo orignal: The day of the Jackal.
Año: 1973.
País: Gran Bretaña-Francia.
Duración: 141 min.
Director: Fred Zinnemann.
Guión: Kenneth Ross según la novela de Frederick Forsyth El día del Chacal, 1971.
Producción: John Woolf.
Fotografía: Jean Tournier.
Música: Georges Delerue.
Montaje: Ralph Kemplen.
Reparto: Edward Fox, Michael Lonsdale, Cyril Cusack, Derek Jacobi, Alan Badel, Eric Porter, Jean Martin, Donald Sinden, Delphine Seyrig, Olga George-Picot, Jean Sorel.

Sinopsis:

Tras un fallido intento de matar al presidente Charles de Gaulle, el grupo terrorista ultraderechista OAS toma la determinación de contratar a un asesino de élite, de nombre en código Chacal, para realizar un intento arriesgadísmo en pleno París durante una ceremonia pública. Pese a que el gobierno francés consigue enterarse rápidamente de la nueva operación desconoce la identidad de Chacal. De igual modo este, que ha desplegado un complejo operativo partiendo desde Inglaterra y pasando por Italia con diferentes personalidades superpuestas, está determinado a finalizar su misión. Se establece desde entonces una lucha contrarreloj entre el profesional y el concienzudo policía comisionado para frenarle.

Crítica:

Una de las razones de preferir escribir sobre un cine del cual me separan treinta, cincuenta u ochenta años, o treinta y nueve como es el caso, es la posibilidad, más bien la mayor facilidad, que da la distancia para llegar a entender el porqué de la existencia misma de una película en particular: por qué se llegó a rodar, por qué es como es, cómo se integra en una corriente (de dónde viene, qué trae, qué deja), cómo su propio tiempo determina todo tipo de aspectos… Las películas, las comerciales, las autorales, las artísticas, están determinadas por su contexto. Uno que es socioeconómico, estilístico, ideológico, artístico, popular… Algunas lo asumen, otras lo superan, otras tantas lo reflejan o lo radiografían. Todas lo explican y el contexto ayuda a explicarlas a ellas.

La existencia de Chacal en su forma final tiene que ver con multitud de estos factores combinados de mil maneras posibles. Por ejemplo: la presencia tras la cámara de una nombre clásico como Fred Zinneman dirigiendo una producción inglesa no puede desligarse del proceso de “repatriación” (no literal, sino metafóricamente) de una serie de directores procedentes de Hollywood que encontraron en el cine británico una serie de posibilidades durante los últimos 60. En un arco temporal muy cerrado, apenas cuatro/cinco años aparecen trabajando en Reino Unido, y dentro de los lindes de esa idea líquida sobre el Noir Britannia, personalidades como Richard Fleischer, quien entrega dos títulos tan diferentes como El estrangulador de Rillington Place (1971), agobiante reconstrucción de la vida y obra del infame asesino en serie John Reginald Christie, interpretado pro un espeluznante Richard Attenborough, y la golosina Terror ciego (1971); un film de víctima indefensa, Mia Farrow, y ceñudo perseguidor, de ambientación rural y frenético trabajo de cámara.

Sam Peckinpah, que en el mismo año desataba las frustraciones y fantasmas sexuales de un mediocre americano enfrentado a la barbarie del viejo continente en la brutal Perros de paja. Alfred Hitchcock, que el 72 engorda la filmografía del psychokiller british ( a estudiar) con la fundamental Frenesí, una adaptación del Goodbye Piccadilly, Farewell Leicester Square de Arthur La Bern, inspirada en el caso de la crónica negra de “El asesino de la corbata” Bob Rusk, un proyecto que reconvertía en algo filmable su frustrada y radical Kaleidoscope.

Dos años después encontramos a Donald Siegel operando en Inglaterra en un título al servicio del carisma duro de Michael Caine, El molino negro, una seca cinta de acción en la cual un miembro del servicio secreto ve como unos delincuentes secuestran a su hijo. Curiosamente en este film también encontramos a la actriz de culto Delphine Seyrig, seducida y asesinada por el implacable Chacal de la obra realizada por Fred Zinnemann. –Nota bene: esta particularidad ya se había dado en la década de los 60 cuando aparecen rodando en Inglaterra, títulos manejables y de rara libertada creativa, Robert Wise, la asfixiante The Hunting, William Wyler con El coleccionista, Otto Preminger, su memorable El rapto de Bunny Lake o incluso puede apreciarse como John Ford influye en el desarrollo del brit-noir cuando da, en 1958, su propia versión del personaje de buen comisario típica del actor Jack Hawkins en Un crimen por hora con guión del fundamente T.E.B. Clarke, uno de los escritores básicos de la Ealing (Al morir la noche, Clamor de indignación, The blue lamp, Oro en barras… todas llevan su firma). Queda presentado otro de los vértices del género en Inglaterra, la influencia, de ida y vuelta, de los directores de la industria norteamericana importados o retornados-

Con esta película, y me refiero a El molino negro, establece otra débil conexión: el mundo del espionaje internacional que el propio Caine había encarnado en el tríptico - Ipcress (Sidney J. Furie, 1965), Funeral en Berlín (Guy Hamilton, 1966), El cerebro de un billón de dólares (Ken Russell, 1967) -sobre el memorable anti-agente Harry Palmer, reverso mundano del implacable James Bond. Si este espía alistado a la fuerza, era un antiguo ladrón, fue construido según los originales de Leigh Deighton como un anti-Bond, el Chacal del presente film bien puede verse como un alter-Bond. Personificado a la perfección por Edward Fox, su acento upper-class, vestuario atildado y modales de buen chico algo estirado lo revelan como otro posible y aburrido hijo de Eton que al igual que el amoral superagente encarnado por Sean Connery (no hay otro Bond en realidad, todos los demás son facsímiles o parodias) negocia con la muerte de un modo escalofriante, despegado, natural y letal. Chacal ejecuta sin sombra de placer, pero con cierta (auto)satisfacción admirativa, emanada de contemplar la perfección de sus propias habilidades (la manera en la que se deshace del falsificador de pasaportes) y decide continuar con el plan pese a conocer pronto que a sido descubierto.

Ahí existe un orgullo profesional muy bien llevado por la dirección e interpretación. Otro paralelismo con Bond, al menos con el Bond primigenio que ya se agostaba en los 70 radica no en al voracidad sexual, sino en el empleo del sexo como una herramienta más. Pero al contario que la criatura misógina de Fleming, Chacal lleva esta característica utilitarista al extremo de la bisexualidad, frente al puro narcisismo bondiano. Aunque todo esto se ve matizado en parte por la sugerente idea de la no-personalidad, o la personalidad líquida, hasta quedar apuntado que Chacal no es nadie, una auténtica abstracción humana con forma de sinuoso killer mundial, un arma anónima que toma la forma necesaria según el momento y/o interlocutor. Algo que queda flotando a la imaginación del público, como también queda el atractivo personaje trágico de la esquiva Olga George-Picot, una agente del grupo terrorista obligada a prácticamente prostituirse.

También estamos en la época de las adaptaciones de best-sellers de, más o menso, política ficción y en ese terreno Frederick Forsyth era un invencible. En dos años ve como adaptan esta El día del Chacal y El expediente Odessa, solo Odessa en un film perfectamente homologable a este con protagonismo para Jon Voigh y Maximillian Schell y dirección de Ronald Neame. Además ambas comparte guionista, Kenneth Ross, quien en el 77 adaptara el Domingo negro de Thomas Harris para esa cumbre del superthriller setentero que fue Domingo negro, donde John Frankenheimer (no en vano tanteado como director para Chacal, quizás a cuenta de su magistral El mensajero del miedo) emplea, mejorada, la narración documental-minuciosa y la estilización de género con la cual Zinnemann ya había elaborado la presente. Incluso Eastwood se apunta al best-seller de espionaje-espectáculo en 1975, si bien fuera de cualquier onda política y con decidido tono de tebeo para machos en Licencia para matar, sobre una de las novelas de Trevanian, hasta puede listarse aquí la muy exitosa Todos los hombres del presidente, reconstrucción del Watergate de la mano de Alan J. Pakula siguiendo el superventas de Woodward y Bernstein, los periodistas del Washington Post que destaparon el caso precipitando al caída de Richard Nixon.

Quizás este gigantismo en el campo del thriller provenga directamente del éxito durante la misma década y en paralelo delos filmes de catástrofes con los cuales comparte repartos multiestelares, generoso metraje y producción lujosa. La adaptación sobre George LaFountaine, Pánico en el estadio, a mayor gloria de Charlton Heston y con dirección de Larry Peerce parece un punto tangente nada descabellado. Una entrada particular, en todo caso, en el rico tapiz del thriller de la gran década de los 70, tanto en Norteamérica como en Europa, porque ¿es ajeno el hincapié político de un título como Chacal al éxito emergente del poliziesco italiano? El caso Mattei, dirigido por Francesco Rosi en 1971, sobre la muerte en atentado del empresario Enrico Mattei sería un buen objeto para comparar estrategias. Pero esto ya es alejarse demasiado del tema.

En la ficción el asesino profesional es contratado después de la fallida operación de Petit Clamart, donde un comando de la OAS (la Organisation de l'Armée Secrète, un grupúsculo de extrema derecha formado por militares que se organizó tras la decisión del gobierno, a caballo entre la IV y la V República, de devolver Argelia su autonomía) acribilló a tiros el vehículo donde viajaban de Gaulle y su esposa saliendo ambos milagrosamente ilesos. El atentado si le costó a su ideólogo Jean Marie Bastien-Thiry (incorporado brevemente por Jean Sorel en la película) el ser ejecutado. El suceso tuvo lugar en 1962. La historia que nos cuentan Forsyth y Zinneman se desarrolla a lo largo de 1963, año del magnicidio de Texas que terminó con la vida de John F. Kennedy, las analogías son tan obvias como buscadas. Pero, paradójicamente, la ambientación es el punto más débil del film, junto al enojoso hecho de que todo el mundo hable inglés, algo finalmente superado en general y en particular en este superthriller internacional, como bien certifica la excelente Munich de Steven Spielberg, a la vez evocación (plástica, narrativa,…) y superación de la escuela. Pese a transcurrir en el 63 lo ornamental pertenece a los 70, la década en al cual se realiza el film: peinados, ropa, vehículos…

Chacal, su existencia, su forma, la identidad de sus responsables, responde entonces a una serie de factores que desembocan en un contexto favorable (económico, de público de modo de co-producción internacional) al film-best-seller (aparatoso) de política-ficción (en especial) que como tal producto macro tiene unas reglas estrictas de adaptación, las cuales tienen que ver especialmente con la fidelidad extrema: estas películas (y es algo que vale para, por ejemplo, las mil y una versiones del Millenium de Strieg Larsson o para las atorrantes obras de Dan Brown) deben extrema fidelidad no al texto, sino a los lectores del texto que reclaman, necesitan incluso, ver en pantalla exactamente aquello que han leído. Y son millones. Si esto ya corta la creatividad de guionistas y director (eliminar personajes, alterar subtramas o conclusiones, cambiar puntos e vista…) que deben limitarse a ilustrar con la pericia que cada cual tenga una material prefijado se une en este caso partir de un hecho histórico del cual ya se conoce el final: nadie asesinó a De Gaulle.

Este es el mayor desafío de Zinnemann como narrador y el mayor aliciente de la película más allá de su todavía vigorosa estética semi-documental (sin duda lo mejor del film se cifra en la minuciosidad de los preparativos y la no menor minuciosidad de las investigaciones coordinadas a la perfección pese a su aspecto indolente por un espléndido Michael Londsdale) o el carisma maléfico de un genial Edward Fox es ¿cómo mantener el suspense en una trama resuelta de antemano? Lo que hace es trasladar el suspense: la emoción no se cifra en “¿Conseguirá Chacal matar a De Gaulle?”, sino en “¿Cuándo fallará Chacal?” Y cuanto más infalible se nos presenta, cuanto más en el último segundo son sus fugas y cambios de personalidad más agobiante se vuelve este suspense al colisionar con el otro, lo imposible: que de verdad Chacal consiga matar a De Gaulle. En combinación con esto, Zinnemann coloca al espectador entre ”lealtades” y de ahí extrae un suspense ambivalente que logra mantener hasta el mismísimo instante final del metraje, merced a una pericia técnico-narrativa excelente que compete desde la gradación de los tiempos, a las caracterizaciones y por supuesto el montaje (ritmo y duración de los planos y las secuencias para buscar un complicado equilibrio).

Es un suspense digamos que bidireccional y contrapuesto: se nos manipula como espectadores para que una secuencia estemos a favor del asesino y en la siguiente del policía y viceversa. Ahora queremos que lo cojan, porque nuestro punto de vista es el de Michel Londsdale, luego queremos que se consiga escapara pues nuestra lealtad le corresponde a Edward Fox. Pero incluso dentro de sus secuencias el suspense se divide: tan pronto nos ponemos a favor de Delphine Seyrig como deseamos que Chacal se deshaga de ella y pueda huir para continuar su misión. Ambos personajes nos son simpáticos, nos identificamos con ellos de maneras diferentes, de nuevo contrapuestas con ambos, hay un combate moral no muy lejano al que Michael Mann establece en Heat entre el sobrio atracador encarnado Por Robert De Niro y el abnegado policía que interpreta Al Pacino. De esta manera el suspense no decae, cambia, muta en cierto modo hasta se hace más complejo y seductor. Todo esto lo resuelve Zinnemann adaptándose al gusto de los tiempos, pero aportando un algo de elegancia sencilla, similar a esa arma que fabrica el artesano a cargo del excelente Cyril Cusack: muy sofisticada, también muy simple.

Descargas: El Wendigo Nº 88

2012-01-31T09:51:00.000+01:00

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Crítica de “Mini Pecados Veniales: Las tías al despertarse” (Arthur de Pins) por Ramón Fermín Pérez Meana

2012-01-30T14:25:00.001+01:00

Ficha Técnica:

Titulo: Mini Pecados Veniales: Las tías al despertarse.
Guión: Arthur de Pins, Maïa Mazaurette.
Dibujo: Arthur de Pins.
Portada: Arthur de Pins.
Formato: Librito –más o menos del tamaño de una agenda-, color.
Editorial: Dibbuks.
Páginas: 64 pags.
ISBN: 978-84-92902-71-2.
Precio: 8€.

Sinopsis:

Si en el anterior artículo le toco a las tías – cosa que no quedo muy clara por mor de los antes llamados “genios de la imprenta”, que ahora parecen haberse puesto al día y migrado hacia otros mundos mas modernos- en este le toca al llamado sexo fuerte, así que… ¡¡pongámonos a temblar los afortunados poseedores de pene!!

Crítica:

Teniendo en cuenta la enorme similitud formal entre ambos tomitos poco es lo que puedo decir de este sin repetirme, así que me pondré a divagar y no les vuelvo acontar que tanto uno como otro tiene 64 paginas, que son a todo color y que patatín, patatán.

No deja de resultar llamativo el titulo del presente tomo: Los tíos de las páginas de contactos. En España –ignoro como va la cosa en Francia- esto de “pagina de contactos” tiene una doble acepción, la referida al sexo mercantil y la de quienes buscan pareja o “ligue” sin mediar intereses románticos. Hace años cuando tenia la costumbre de leer todos los días el periódico, siempre acababa con la lectura, generalmente rica en satisfacciones de índole espiritual, de ambas secciones. Como tengo entendido que esta es una página para “todos los públicos” obviare la primera – no sin recomendar encarecidamente su lectura- y me centrare en la segunda.

Aquí en Gijón hay, o al menos había, una pagina de esas características dedicada en pleno a una agencia concreta de “amistad y relaciones humanas”, que es como se llama ahora el invento. Su lectura era una delicia pues parecía redactada según un formulario escrito por alguna de las celebridades de la “novela rosa” española o quizás por un guionista argentino en paro. Los Tíos – que son los que ahora nos importan, aunque aquí se llamasen siempre “chicos” a pesar de estar generalmente ya talludinos- siempre eran “nobles”, “fuertes”, ”sinceros”, “cultos”, “en situación desahogada” y, además, abundaban los ojos “azul cielo” o “verde mar”. ¡¡Coño si hasta a mi me entran ganas de hacerme gay ante este panorama!!.

La visión de Arthur De Pins y Maïa Mazaurette no es, como ya se pueden imaginar, exactamente la misma. Pins y Maia pasan revistas a una abundante fauna habitual de estas páginas, pero que en realidad refleja al género masculino en su práctica totalidad. Aquí esta el ligón, el tímido, el salido, el agonías, el romántico…y ninguno tiene demasiados motivos para presumir ante su vecino, todos son –bueno, somos- bastante impresentables.

Hay para todos los gustos y supongo que cada uno preferirá aquellos personajes con los que –salvando las distancias, estos al fin y al cabo siempre son “gente guapa”- puede sentirse mas identificado. A mi, individuo de natural alegre y expansivo, me ha gustado especialmente la crueldad de “El intelectual” –quizás porque yo también he llegado en ocasiones a la conclusión, nada descaminada, de que las tías forman parte de alguna conjura universal- o la mala uva de “El agonías”. Claro que en el otro lado hay historietas como “El presumido” o la de “El chico malo” - una única ilustración a doble pagina- que son también magnificas.

Ale a disfrutar con De Pins. Ya verán como dentro de nada tendremos “Las tías al salir de la ducha”, “Los tíos en la sobremesa” o algo parecido. Hay modas peores, se lo aseguro.

Notas:

A inicios de los setenta llegaron toda una pléyade de revistas de historietas argentinas a los kioscos españoles. Estas – títulos como Fantasía o El Tony- eran una amalgama de material extranjero, proveniente de las tiras de prensa de la K.F.S o los superhéroes de la Marvel, junto a abundante material autóctono. Este, en ocasiones de una excelente factura grafica –creo recordar que por aquí andaba, entre otros, José Luis García López- se caracterizaba sobre todo por unos enormes y pretenciosos textos de apoyo. Recuerdo una historieta del oeste en la que la chica tenía “ojos color no me olvides”, bueno de hecho eso es lo único que recuerdo. Si, no soy un gran fan de la historieta argentina… aunque si de algunos argentinos que hacen historietas.

Michael Myers ha vuelto… pero esta vez no es en “Halloween”. Continúa el especial Slasher gracias a Emon

2012-01-30T14:06:00.000+01:00

En Ultramundo teníamos pensado hacer un especial sobre la saga “Halloween” este año visto el éxito que ha tenido nuestro especial sobre “Pesadilla en Elm Street”, el especial evidentemente tendría que haber empezado en Halloween. Pero nuestros planes se han alterado debido a que Emon ha relanzado “Halloween: La maldición de Michael Myers” y dentro de poco saldrá “Halloween H20”. Por lo que finalmente, para no desaprovechar la oportunidad que nos brinda Emon, hemos decidido partir el especial en dos trozos y dedicar febrero a las entregas 4,5,6 y 7 para abordar el resto en el próximo Halloween 2012.

Este primer especial “Halloween” será íntegramente llevado a cabo por Daniel Rodríguez Sánchez e Iván Suárez Martínez. A continuación os pego las fechas del especial:

Viernes 3 de Febrero

-“Halloween 4”

Viernes 10 de Febrero

-“Halloween 5”

Viernes 17 de Febrero

-“Halloween: La maldición de Michael Myers”

Viernes 24 de Febrero

-“Halloween H20”

Crítica de “La Nueva Pesadilla de Wes Craven” por Daniel Rodríguez Sánchez

2012-01-27T12:12:00.000+01:00

Ficha Técnica:

Titulo original: The New Nightmare.
Año: 1994.
País: Estados Unidos.
Duración: 109 min.
Director: Wes Craven.
Guión: Wes Craven.
Producción: Marianne Maddalena, Wes Craven, Robert Shaye, Jeffrey Fenner, Sara risher, Jay Roewe.
Fotografía: Mark Irwin.
Música: J. Peter Robinson.
Montaje: Patrick Lussier.
Diseño de producción: Cynthia Kay Charette.
Reparto: Heather Langenkamp, Robert Englund, Miko Hughes, John Saxon, Matt Winston, Wes Craven.

Sinopsis:

El afamado director de cine de terror Wes Craven comienza la producción de una nueva entrega de “Pesadilla en Elm Street”, con el protagonismo de Heather Langenkamp y Robert Englund interpretando a Freddy Krueger. Una vez iniciado el rodaje, la propia Heather sufrirá extrañas pesadillas con Krueger tal y como le ocurría a Nancy, el personaje que interpretó en la saga de Elm Street, que culminarán con el asesinato de varios miembros del equipo.

Crítica:

En 1991, “Pesadilla Final: La muerte de Freddy” (“Freddy´s Dead: The Final Nightmare”, 1991) parecía indicar el fin de una de las sagas más emblemáticas del cine de terror moderno, con el incombustible Freddy Krueger como maestro de ceremonias; no sólo por las claras intenciones de sus creadores de dar carpetazo final a la franquicia, sino también por el inefable producto originado que mandó al traste cualquier interés por parte de los fans de ver continuar las andanzas de Krueger (aunque lejos de los mejores resultados de otras entregas de la saga, la película de Talalay no fue mal en taquilla). Como vemos, la franquicia de Elm Street no gozaba para nada de un buen momento, pero la carrera de su creador, Wes Craven, tampoco.

Craven comenzó su carrera en el mundo del cine (tras un breve paso en las aulas como profesor) en una década dorada para el cine de terror como fueron los años 70, siendo su debut la truculenta obra maestra “La Última Casa a la Izquierda” (“The Last House on the Left”, 1972), una versión muy libre de “El Manantial de la Doncella” (“Jungfrukällan”, 1960) de Ingmar Bergman. Con paupérrimos medios, Craven (y en colaboración con Sean S. Cunningham a la producción) hizo una película ultra-violenta, extrema y directa, llegando a las entrañas de espectadores de todo el mundo y que le sirvió como una excelente carta de presentación en el cine de género. Tras ella, seguiría otro icono del terror camp de los 70 como “Las Colinas Tienen Ojos” (“The Hils Have Eyes”, 1977) y otras películas menores como “Las dos caras de Julia” (“Stranger in our House”, 1978) para la televisión, “Bendición Mortal” (“Deadly Blessing”, 1981) o “La Cosa del Pantano (“Swamp Thing”, 1982). Craven ya era por entonces un nombre en el cine de género, aunque su consagración definitiva llegaría en 1984 con “Pesadilla en Elm Street” (“A Nightmare on Elm Street”, 1984) creando a uno de los villanos más icónicos del cine moderno, Freddy Krueger.

Durante la década de los 80, y tras rechazar participar en las secuelas (excepto en la tercera colaborando en borrador de guión que como vimos en su día fue rechazado parcialmente) su carrera se reduce a títulos bastante modestos (aunque admirables) como la segunda parte de “Las Colinas Tienen Ojos”, “Amiga Mortal” (“Deadly Friend”, 1986) “La Serpiente y el Arco Iris” (“The Serpent and the Rainbow”, 1988), “Shocker, 100.000 voltios de terror” (“Shocker”, 1989) o la dirección de algunos capítulos para el serial “Twilight Zone”. Ya entrados los 90, y con la carrera de Craven en claros síntomas descendientes, dirige en el año 1991 “El Sótano del Miedo” (“The People Under the Stairs”, 1991). Craven decide en estos primeros años de la década intentar relanzar su carrera (años después comprobaríamos que esta renacería revitalizando el slasher con “Scream: vigila quién llama” [“Scream”. 1996] y sus secuelas) sugiriéndole a Robert Shaye (mandamás de la New Line Cinema) retornar una ambiciosa idea que ya intentó desarrollar cuando se le ofreció colaborar en una tercera parte de “Pesadilla en Elm Street” y que en ese momento fue rechazada: Craven pretendía escenificar en una película un rodaje de una nueva entrega de la saga, con él y algunos actores principales de la misma interpretándose a sí mismos.

Esta original idea, (que el maestro del fantástico italiano Lucio Fulci ya trató a su manera en la paródica “Un Gato Nel Cervello”) parecía en estos momentos para Shaye una clara y sarcástica manera de intentar revivir la saga (por mucho que se nos intentase colar a la sexta entrega de Talalay como broche final) y de paso la carrera de Craven, que volvía a la saga que lo encumbró a lo más alto. Aunque principalmente Wes quiso escribir un guión que continuase el “storyline” de todas las partes anteriores, tuvo que recurrir a su vieja idea ante la tremenda desvirtualización que habían sufrido tanto su villano como el universo de la saga.

Cuando uno ve al principal artífice de “Pesadilla en Elm Street”, haciendo un reboot de toda la saga, lo mínimo exigible es una vuelta a los derroteros que hicieron grande a Freddy Krueger y su universo. Es decir, reconducir la franquicia al relato de terror que era la primera película, con esa excelente revisión del hombre del saco en la piel de Krueger y en general olvidarse de todo el tono bufón y disparatado en el que habían trascendido las últimas películas. Lamentablemente, Craven no sólo obvia todo eso, sino que hace un producto que lucha con fuerza con las tres entregas predecesoras por el “honorable” estado de ser la peor película de la saga. Sí que se podría señalar un (fallido) intento de reconducir a Krueger por un camino mucho más macabro, pero la idea patina ante el desastroso resultado final del conjunto.

Cabe decir que la idea original no es para nada desdeñable. Craven afronta la nueva entrega como revisión auto-paródica de toda la saga, olvidando todo intento de encauzar el tremendo batiburrillo de ideas que se han ido exponiendo durante el inefable descenso de calidad por el que la franquicia “Elm Street” se desarrollaba. Estaba claro que los vientos de cambio eran necesarios, y que mejor que el principal artífice de la mejor película de la saga para dirigirlos en el décimo aniversario de las correrías de Krueger por la gran pantalla. Lo cierto es que Craven no domina con soltura esperada la metacinematografía en la que se basa su película, llevando la historia por los tristes derroteros de anteriores entregas. “La Nueva Pesadilla” acaba por parecer una broma pesada de Craven, con una despreocupación bastante evidente de lograr un producto de calidad.

La idea de rescatar a Heather Langenkamp o John Saxon, interpretándose así mismos, potencia al guiño al pasado que Craven promueve, eso sí, con poco nervio. El personaje femenino, quizá lastrado por el nuevo sentido de auto-parodia imperante en el film, carece de la heroicidad propia de las “scream queens” del slasher (de las que Nancy, de la primera pesadilla, es un principal exponente) siendo su condición llevada a un segundo plano por el erróneo protagonismo de un niño que no hace más que restar el aura cruenta que la “La Nueva Pesadilla” podría haber tenido (el punto de partida de un rodaje apestado de muertes inexplicables podía haber dado mucho más juego y más aún en manos de un experimentado en el género como Craven).

Pero “La Nueva Pesadilla” cae aún en errores mucho más trascendentales y graves. Primero, la dualidad de ficción y realidad está retratada de una forma tremendamente torpe, no ayudando a complementar ambas vertientes de la trama como sí ocurría hasta en las peores entregas de la saga. Ni el coqueteo de la historia con la auto-parodia funciona como tal (abanico de personajes reales, incluido el propio Craven, que acampan por las escenas convirtiéndolas en sketchs de poca gracia), ni la vertiente tenebrosa del relato (auténticos handicaps de todas las entregas de Elm Street) contiene el estilo y atmósfera que era de esperar. Así, tal y como explica Craven en su escena estrella, tenemos a un demonio que adquiere el físico de Krueger para sembrar el pánico en “el mundo real”. Semejante disparate no sólo resta bastante credibilidad al asunto, sino que hace imposible tratar a la película con un mínimo de seriedad. Krueger (o al menos, el ser que toma su forma) sigue con la prostituida estampa de los peores momentos de la saga de Elm Street.

Narrativa y estéticamente, la película tampoco cumple con lo que de un director del calado de Craven se puede exigir; tremenda lentitud, que hace estirar la historia en demasía y privarla del gancho propio del subgénero; look totalmente plano y artificial, sin el empaque de un producto de género.

En definitiva, “La Nueva Pesadilla”, contra todo pronóstico (aunque por otra parte, merecidamente), hundió aún más la saga, que no volvería a la pantalla grande hasta “Freddy contra Jason” (“Freddy Vs. Jason, 2003), película que sí supo mantener hacer convivir en 90 minutos un look de serie b realmente trabajado con un tono paródico que goza de mucha más gracia que en este descalabro de Craven.

Curiosidades

• La curiosa mano que luce Krueger en esta entrega fue un boceto original utilizado en uno de los pósters de “Pesadilla en Elm Street”.

• La actriz Lin Shaye (hermana de Robert Shaye) quien interpreta en “La Nueva Pesadilla” a una enfermera, ya tenía un pequeño papel como profesora en “Pesadilla en Elm Street”.

• El vestuario que lucen Heather Langenkamp y John Saxon en el final de la película es el mismo que ya lucían en “Pesadilla en Elm Street”.

• La trama de “La Nueva Pesadilla” gira en gran parte al acoso que Heather Langenkamp recibe de un personaje anónimo. Heather sufrió esto en la vida real, y Craven tuvo que consultar con la actriz el incluirlo o no en la historia.

• Como ya comentamos, la premisa original de “La Nueva Pesadilla” parte de un boceto de guión con el que Craven había escrito un guión para la tercera entrega que finalmente fue rechazado.

• Durante la producción, se filtró un título provisional para la película: “A Nightmare on Elm Street: The Ascension”.

• David LeRoy Anderson, interpreta al marido de Heather Langenkamp y que como miembro del equipo de efectos especiales es asesinado. En la vida real, David es marido de Heather y trabajó como especialista de maquillaje en películas como “La Serpiente y el Arco Iris” y “Shocker” de Craven, o más recientemente en el “Amanecer de los Muertos” (“Dawn Of The Dead”, 2004) de Zack Snyder.

Últimas adquisiciones: “Alien” (NECA) de mano de Camiseto tienda de regalos

2012-01-26T21:31:00.000+01:00

Una vez más gracias a Camiseto Tienda de regalos empezaremos a reseñar al Alien original, que es llamado por algunos “Classic Alien”. Perfecta elección ahora que se acerca cada vez más (si FOX España lo permite) el estreno de Prometheus. Posiblemente la próxima semana ya tengamos en Ultramundo el primer artículo sobre el alienígena que lo empezó todo.

Crítica de “Mini Pecados Veniales: Los tíos de las páginas de contactos” (Arthur de Pins) por Ramón Fermín Pérez Meana

2012-01-26T20:43:00.001+01:00

Ficha Técnica:

Titulo: Mini Pecados Veniales: Los tíos de las páginas de contactos.
Guión: Arthur de Pins, Maïa Mazaurette.
Dibujo: Arthur de Pins.
Portada: Arthur de Pins.
Formato: Librito –más o menos del tamaño de una agenda-, color.
Editorial: Dibbuks.
Páginas: 64 pags.
ISBN: 978-84-92902-72-9.
Precio: 8€.

Sinopsis:

Arthur de Pins pasa revista a los diversos personajes femeninos que pueblan sus tebeos y lo hace desde una óptica decididamente irreverente y machista pues ¿no estamos ante un libro para tíos? Ya les tocara a ellas dar su opinión.

Crítica:

Dice el viejo refrán que del cerdo se aprovecha todo, hasta los andares. Algo similar podría decirse de los éxitos editoriales y buena prueba son estos pequeños libritos cuya finalidad es exprimir un poco mas el éxito de la serie “Pecados Veniales” de Arthur de Pins y Maia Mazaurette. La serie original, de la que Dibbuks ya ha publicado dos tomos, va de las andanzas y vivencias, básicamente de tipo sexual, de un grupo de jóvenes – ya no tan jóvenes- de clase media y profesión liberal en el Paris de hoy en día. Es una vuelta de tuerca mas a la consabida “guerra de los sexos” en el peculiar estilo de De Pins, es decir una mezcla bastante resultona de mala uva y buenas maneras. Lo mismo podría decirse de su factura grafica, hay sexo y, en ocasiones, bastante explicito, pero que nadie busque groserías ni salidas de tono.

La serie se articula a través de historietas cortas autoconclusivas – una o dos paginas- por las que se mueven una serie de personajes mas o menos fijos que Pins transforma en arquetipos. Así tenemos al ligón, a la niña pija, la dominante, el tímido, la ecologista, etc,etc. Y es en esto en lo que se basan los libritos aquí comentados, una especie de guia en la que se reúnen por sexos – este esta dedicado a las “tías” y por tanto su lectura se recomienda a los “tíos”- los diversos personajes que pululan por la serie: La Deportista, La Ecologista-naturista, El Ama de Casa, La Geek, La Follamiga y unas cuantas mas.

La formula es siempre la misma, a cada personaje se le dedican cuatro paginas; la primera viene ocupada por una gran ilustración –bueno, grande dentro de lo que permite el formato del libro-, la segunda ofrece unas ficha personal y bastante maliciosa de la misma y para terminar una historieta de dos paginas protagonizada por la señorita en cuestión.

Especialmente maliciosos resultan los comentarios de algunas fichas que pueden llegar a una crueldad casi sangrienta, como por ejemplo los últimos apartados dedicados a la “follamiga”. Y es que la mala uva es una de las marcas inconfundibles de la casa, mala uva por otra parte con más capas que una cebolla y tantas lecturas como el lector se preocupe en buscarle. De hecho la visión de la mujer que ofrecen estas historias –obsesionada siempre por su aspecto y por meterse algo entre las piernas- es la típica que desataría la furia de esos colectivos femeninos que ven “agresiones” por todas partes, pero basta con rascar un poco para ver que esas mismas historias, que efectivamente son “así”, no resultan en absoluto mas amables con el hombre. Pins parece firmemente convencido de que el amor y el sexo son, habitualmente, cosa de dos y lo bueno es que esos dos son tal para cual. En cuanto a las historietas en si, son realmente bonitas y manifiestan a la perfección esta filosofía. Todas están bien, pero a mi me ha hecho especial gracia la de la relación sadomasoquista. En resumen, estamos ante unos libritos muy atractivos pero con un pequeño problema.

El problema es que muy poco de esto es original sino “recortes” extraídos de los tomos ya publicados, lo que me hace preguntarme a quien va dirigido este producto en realidad: al seguidor de la serie especialmente completista, al que quiere iniciarse en ella o simplemente al “moderno” que ha oído por alguna parte que estos tebeos son realmente guays y no esas bastadas que leen los frikis. Yo me atrevería a aconsejar al lector al que realmente le gustan los tebeos y desconoce la serie que por un poco mas se compre los tomos originales. Merece la pena.

Notas:

Al inicio de este artículo hablaba de Pecados Veniales como de un éxito. Hablar de “éxitos” en el mercado español del tebeo puede resultar hasta cruel y en todo caso no pasa de ser una expresión metafórica. Los éxitos están reñidos con las tiradas ridículas que caracterizan al tebeo hoy día. De todas formas la presente serie si que ha sido un éxito –quizás un éxito minimalista - en tanto y cuando ha logrado hacerse con un publico fiel que espera por nuevas entregas con verdaderas ganas, es además un publico formado en buena parte, justo es reconocerlo, por gente que habitualmente no lee tebeos pero que se ha enganchado al particular mundo de De Pins. Eso no es malo, por algo se empieza.

NECA Terminator Collection serie 2: Análisis del “T-1000 Steel Mill” (Robert Patrick) por Miguel Díaz González

2012-01-25T19:52:00.000+01:00

NECA vuelve para poner las cosas candentes con su última figura sobre el T-1000 de la fábrica de acero visto en “Terminator 2” (James Cameron, 1991) que ahora sí que tiene serias posibilidades de ser la última figura que NECA fabrique sobre esta película, que con 17 figuras ya creo que son más que suficientes. Hasta ahora ha sacado cinco T-1000 y la friolera de once T-800, esto sin contar los cuatro T-800 de “Terminator” (James Cameron, 1984).

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Espero sinceramente que NECA se lance directamente a fabricar figuras sobre “Terminator Salvation” (McG, 2009) para 2012 y 2013 porque “Terminator 3” (Jonathan Mostow, 2003) ya cuenta con unas figuras de McFarlane absolutamente insuperables para NECA. Las únicas figuras de “Terminator 2” (James Cameron, 1991) que posiblemente no estuvieran de más serían un 12” inch T-1000, que no entiendo porque no lo han sacado ya, o una nueva figura de Sarah Connor. En el caso de “Terminator” (James Cameron, 1984) tampoco estaría demás un Kyle Reese que hasta ahora no ha conocido figura en la escala de 18 cm.

Con esta figura NECA posiblemente nos esté indicando su canto del cisne en lo que ha T-1000 de 18cm se refiere porque cada nueva figura del T-1000 fabricada por NECA desde “Terminator 2 serie 3” está extraída de un momento cada vez más avanzado en el metraje del film por lo que esta figura ya representa el momento final del T-1000 si se excluye la escena en la queda completamente reventado antes de caer al acero fundido pero esa figura ya fue sacada en una figura escultóricamente impecable por McFarlane en “Movie Maniacs serie 4”.

Se hacía necesaria una figura que reflejase con más fidelidad que la de McFarlane el momento en el que el T-1000 se quedaba con un solo ojo y un inmenso boquete en la cabeza tras recibir un disparo de la aguerrida Sarah Connor, que es una de las deformidades más espectaculares que sufre el T-1000 por impacto de proyectil y de las más recordadas por los fans. NECA no solo logra reflejar este momento con acierto sino que esta figura también representa el momento en el que el T-1000 tortura a Sarah para localizar a su hijo John, sin descuidar el aspecto de los pies del T-1000 que daban muestras del mal funcionamiento del androide de metal líquido. El trabajo que ha realizado NECA tanto con este “T-1000 Steel Mill” como con el “Motorcycle Cop T-1000” es muy superior al que se realizó en “Terminator 2 serie 3” pese a que estéticamente sean muy parecidos, tanto la fabricación como el pintado han ganado enteros.

EQUIPO:

Escultura:

David Silva

Pintado:

Jon Wardell

Geoffrey Trapp

Prototipos:

Adam Smith

HISTORIA DEL PERSONAJE

En inglés:

“TARGET IDENTIFIED

Specs: Model T-1000 {Steel Mill}

-A more advanced Terminator, composed of mimetic pollyalloy, a liquid metal that allows it to take the shape and appearance of anyone or anything it touches.

-Pursuing our heroes from Cyberdyne Systems they battle one last time in a steel mill. The T-1000 tortures Sarah, urging her to call out for her son when the T-800 re-appears to save Sarah, John and the rest of mankind.”

En español:

“OBJETIVO IDENTIFICADO

Especificaciones: Modelo T-1000 {Steel Mill}

-Un Terminator más avanzado, compuesto por polialeación mimética, un metal líquido que le permite tomar la forma y apariencia de cualquier persona o cualquier cosa que toque.

-Persiguiendo a nuestros héroes desde Cyberdyne Systems, ellos lucharán por última vez en una fábrica de acero. El T-1000 tortura a Sarah, instándola a llamar a su hijo, cuando el T-800 vuelve a reaparecer para salvar a Sarah, John y el resto de la humanidad.”

ESCULTURA: El nuevo talento David Silva lo ha logrado de nuevo con un trabajo que no tiene nada que envidiar al mejor Kyle Windrix. En este caso Silva logra la mejor escultura facial de un T-1000 en escala 18cm con la versión dañada del T-1000, cuya combinación de metal líquido y rasgos faciales deformados solo podría considerarse sobresaliente. De entre todas las figuras de NECA y McFarlane es probablemente la mejor aproximación al rostro de Robert Patrick y eso que a la versión dañada le falta media cara pero cuando un escultor está inspirado estos son los resultados.

Desgraciadamente aunque la cara sin daños de combate es muy buena todavía está lejos de tener el nivel de Kyle Windrix con sus “T-1000 Galleria Mall” y “T-1000 Liquid Metal” pero logra un trabajo muy profesional cuyo máximo defecto es intentar hacer exactamente lo mismo que Kyle Windrix sin ser Kyle Windrix. Precisamente el estilo de David Silva no se parece demasiado al de Windrix porque es mucho más dinámico y no tan eficiente representando rostros estáticos (en poses agresivas es otro cantar) aunque es elogiable el esfuerzo de estos dos escultores para lograr que sus respectivos T-1000 parezcan esculpidos por una sola persona, a veces el invento chirría y la nueva cabeza de David Silva huele a imitación fallida de Windrix por donde quiera que lo mires.

Sobre el resto de la figura no tengo la menor objeción, la escultura es excelente y las proporciones están perfectamente equilibradas con las demás figuras de la colección, en este aspecto logran bordar el trabajo en temas de compatibilidad, el torso es un calco del estilo de Kyle Windrix e incluso mejora la escultura de la placa de policía que ahora es mucho más nítida que la de los T-1000 predecesores. Hay que destacar especialmente el acabado de los pies semi-fundidos con el suelo del T-1000, que ahora si que está justificado que hagan acto de presencia en la escultura, porque está clavado a la película hasta en el más mínimo detalle y se ve ampliamente reforzado por un pintado excelente.

ARTICULACIONES: Este era uno de los puntos que más me hacia recelar antes de reseñar la figura. Los tres T-1000 que aparecieron en “Terminator 2 serie 3” poseían uno de los defectos de articulación más bochornosos y dolorosos que recuerdo: EL brazo izquierdo se rompía a la altura del codo de forma cuasi automática. Cuatro T-1000 rotos dan buena fe de esto. Gracias a todos los dioses el cuarto y el quinto T-1000 de la colección no perpetuán este error. La figura mueve rodillas, cadera, brazos, antebrazos, manos y cabeza. Un total de 10 articulaciones (que no estropean estéticamente nada a la figura, difícil sería que esto pasase dada la escasa cantidad de articulaciones del producto. Una de las mejorías más grades de esta figura la encontramos en los brazos, que ahora son muy parecidos a los del “T-1000 Galleria Mall” y el “T-1000 Pescadero Hospital” cuyas articulaciones del antebrazo se rompían según lo movías de forma casi-automática, ahora la articulación de tipo cortante ha sido severamente modificada y aunque es ligeramente menos estética podemos mover los brazos de la figura sin tener miedo de quedarnos con ellos en la mano.

Un error en el planteamiento que si que mantiene frente a sus T-1000 predecesores es la escasa sostenibilidad. Algo en la disposición de las articulaciones de las piernas falla porque la figura se cae a la primera de cambio o al mínimo roce. Lo único bueno es que la articulación “en bola” de los pies ahora es de tipo cortante por lo que una simple peana soluciona el problema, algo que no pasaba con sus predecesores. Incluso en esta figura donde el pie izquierdo tiene una base mucho mayor al estar semi-derretido no se ha solucionado el problema y sigue cayéndose al más mínimo toque. Para buscar una pose más estable hay que forzar la pose y doblar ligeramente el pié derecho, al menos este T-1000 es el único que si se sortiene realizando un apaño.

Pese a que este T-1000 posee casi todos los tipos de articulaciones que se pueden tener, el producto final no entorpece nada la escultura y crea uno de los trabajos más sobrios y estéticamente adultos de NECA sobre la licencia Terminator junto con “Police Station Assault T-800” y el “Motorcycle Cop T-1000”. La aceptable cantidad de accesorios y la combinación de articulaciones permiten a la figura una buena cantidad de poses y de planteamientos, muy buen trabajo.

PINTADO: En este apartado se produce otra considerable evolución sobre el “Motorcycle Cop T-1000”, “T-1000 Galleria Mall” y el “T-1000 Pescadero Hospital”. EL pintado es mucho menos plástico y está más detallado tanto en las piezas de carne como en el traje, las partes metálicas tampoc son una excepción. Llegando al paroxismo, en lo que ha riqueza de detalles se refiere, en la cabeza dañada y en los pies. Concretamente la cabeza dañada luce un pintado de 10 sobre 10 en cualquier aspecto analizable, minuciosidad en el pintado y tonalidades correctas, difícilmente se puede pedir más.

El único apartado donde este T-1000 no está del todo perfecto es en el referente a las manos-púa que no tienen el pintado metalizado con las tonalidades lo suficientemente acordes, especialmente en el punto en el que se produce la transición de carne a metal.

La piel “humana” del T-1000 ha sufrido una importante mejora con respeto a sus tres predecesores (obviamente no cuento la versión de metal líquido), ahora ha perdido esas tonalidades rosas y artificiosas que tenían especialmente las versiones “T-1000 Galleria Mall” y “T-1000 Pescadero Hospital” luciendo un color carne mucho más realista y acorde con una figura pensada para coleccionistas adultos.

FALLOS FÍLMICOS: Me están sorprendiendo los chicos de NECA, otra figura que ha grandes rasgos está absolutamente carente del menor vestigio de fallos fílmicos. Posiblemente lo único que no hayan incluido sea alguna capacidad para que la figura pueda adoptar poses concretas del film, algo que ya pasaba con el “Police Station Assault T-800”.

Me refiero concretamente a la postura de las manos cuando el T-1000 sufre el impacto en el ojo o el momento clave en el Sarah Connor es torturada por el androide. Por mucho que la figura incluya los dedos-púa extra-estirados, la figura no tiene una pose que realmente represente esa escena.

El único momento que realmente queda reflejado de forma impecable es la pose del T-1000 al andar por la fábrica de acero mientras sus pies se funden con el suelo, esa parte si que está chapada desde cualquier óptica. No importa como se mire.

ACCESORIOS: No puedo decir que este T-1000 sea el que mejor disposición de accesorios tiene pero si que está entre los mejores, solamente lo superan el “T-1000 Galleria Mall” y el “T-1000 Liquid Metal”. Dándose el caso de que ambas figuras pertenecen a “Terminator 2 serie 3” y son esencialmente la misma figura con dos pintados completamente distintos. Fuera del seno de NECA tenemos al T-1000 de “Movie Maniacs serie 4” cuya disposición de accesorios está a anos luz de los trabajos de NECA, rivalizando solamente con esta figura los productos de Hot Toys.

Pero como decía al principio, la disposición de accesorios de esta figura no es mala en absoluto. Incluye dos cabezas intercambiables y dos pares de manos, siendo dos de ellas bastante espectaculares. En total tenemos 3 accesorios adicionales, es decir, a parte de lo que este T-1000 tiene que llevar obligatoriamente puesto. Por extraño que parezca la disposición de accesorios permite al T-1000 transformarse en tres figuras distintas, por un lado tenemos al T-1000 estándar, por otro al T-1000 con la cabeza reventada y finalmente al T-1000 que tortura a Sarah Connor. Todo esto con solo tres accesorios adicionales me parece una completa pasada, es solo cuestión de saber escoger bien que complementos vas a meter en tus figuras.

Las manos intercambiables con las púas de la escena de tortura son simultáneamente el punto fuerte y el punto flojo de esta figura. Punto fuerte porque son ampliamente espectaculares y porque pueden complementarse perfectamente con la “mano-púa” que incluye el “T-1000 Galleria Mall”, con esto NECA ya ha sacado todas las versiones de “mano-objeto-punzante” que utiliza el T-1000 en “Terminator 2”, en el caso de las “manos-pua” ya tenemos las tres versiones con la tres longitudes más la versión metal liquido del “T-1000 Liquid Metal”. Algo parecido a las combinaciones de garras extensibles que utilizó NECA con las figuras de “Predators”. El punto flojo es evidente, las nuevas “mano-púas” están espantosamente curvadas, cosa más sangrante en la mano izquierda, esto resta muchos puntos en un acabado que de otra forma sería completamente profesional

También es destacable que la mano izquierda ya venga preparada para poder usar un arma cualquiera de las otras figuras del T-1000 (ver fotos), más concretamente la pistola del “T-1000 Galleria Mall” o las armas del “Motorcycle Cop T-1000”. La nueva cabeza sin daños de combate, pese a lo parecida que es a las del “T-1000 Galleria Mall”, es una cabeza 100% nueva esculpida por David Silva que añade un mejor pintado que las escupidas por Kyle Windrix pero no está tan bien escupida como la cabeza dañada de esta misma figura o como las de Kyle Windrix. En definitiva los accesorios están bien escogidos y pueden ser sobresalientes si deciden emplearse para combinarlos con los de los demás T-1000.

LAS VERSIONES: En este caso si que se le puede sacar verdadero jugo a esta sección, ya que los T-1000 de NECA presentan la mayor capacidad de combinación que ofrece cualquier producto de NECA, muy por encima de los nuevos T-800. En este caso, antes de mostrar diversos ejemplos de combinaciones de figuras si que voy a comparar este producto con McFarlane y su T-1000 de “Movie Maniacs serie 4”.

Las figuras de NECA pierden catastróficamente frente a McFarlane aunque muchos os podáis quedar sorprendidos ante semejante afirmación. Mi comentario no es gratuito y os lo demostraré. Cierto es que las figuras de NECA están mucho mejor pintadas (especialmente las de Terminator Collection) y ligeramente mejor esculpidas. Pero se desploman frente a McFarlane por meras cuestiones de planteamiento y disposición de accesorios. McFarlane ya empezó a jugar a esto de “Crea tu propio T-1000” mucho antes que NECA y con mejores cartas en la baraja, con la figura de McFarlane puedes crear tres o cuatro T-1000 tan diferentes entre sí como los de NECA comprándote una sola figura. Para hacer lo mismo con NECA tendrías que comprarte un mínimo de cuatro T-1000. Indispensables serían el “T-1000 Steel Mill”, “Motorcycle Cop T-1000”, “T-1000 Galleria Mall” y “T-1000 Pescadero Hospital”. En relación calidad-precio McFarlane aplasta a NECA, esto se comprobará más a fondo este año, cuando analicemos el T-1000 de “Movie Maniacs serie 4”.

Centrándonos exclusivamente en las figuras de NECA, simplemente pondré ejemplos de la asombrosa capacidad de este T-1000 para combinarse con los demás T-1000 de las colecciones “Terminator Collection” y “Terminator 2”. Concretamente presenta muy buena compatibilidad con el “T-1000 Galleria Mall” y el “T-1000 Liquid Metal”. Una capacidad de combinación algo más baja la tiene con el “T-1000 Pescadero Hospital” y casi nula con el “Motorcycle Cop T-1000”, de la que solo puede utilizar las armas, pero menos es nada.

Los dos ejemplos que podéis ver encima de este texto son de lo más simple que podéis hacer combinando accesorios y los resultados son bastante espectaculares. Por un lado tenemos al “T-1000 Steel Mill” con la cabeza y la mano derecha con púa del “T-1000 Galleria Mall”, gracias a la nueva cabeza y la púa podemos corregir parcialmente el error de fabricación de las púas de la presente figura y añadirle una cabeza algo mejor esculpida. El único problema es que el pintado de la piel del “T-1000 Galleria Mall” es ligeramente más rosado que la de . En el segundo ejemplo he combinado tres figuras, son el “T-1000 Galleria Mall”, “T-1000 Steel Mill” y “Motorcycle Cop T-1000”. Ahora le doy al Cyborg una pose de combate más espectacular y dinámica, semejante a la que el T-800 adquiere antes de enfrentarse al propio T-1000 en la refinería de acero. Lleca una vez más la cabeza del “T-1000 Galleria Mall”, además de la mano derecha y la pistola de esa figura. Del “Motorcycle Cop T-1000”solamente lleva el subfusil MP5.

Para finalizar os pondré otros dos ejemplos de doble y triple combinación. La primera foto es el ejemplo más básico que os podéis poner entre pecho y espalda. Combino al “T-1000 Pescadero Hospital” con el “T-1000 Steel Mill”. Del primero uso el cuerpo al completo mientras que del segundo solo uso la cabeza, la idea es mostrar al T-1000 antes de que el T-800 le vuele la cabeza en la escena del ascensor. El segundo ejemplo combina al “T-1000 Pescadero Hospital”, “T-1000 Galleria Mall” y “T-1000 Steel Mill”. Ahora pretendo crear un T-1000 sin referencia fílmica, completamente a mi gusto. Tiene la cabeza semi-regenerada del “T-1000 Pescadero Hospital”, la mano púa del “T-1000 Galleria Mall” y el cuerpo del “T-1000 Steel Mill”, la idea que utilicé fue la de crear un T-1000 que mostrase el máximo posible de partes en metal líquido. Planteamiento semejante al que McFarlane usó para “Movie Maniacs serie 4”.

PARA CUALQUIER CONSULTA PODÉIS ENVIAR UN MAIL A: ULTRAMUNDOMUESTRA@GMAIL.COM

Prometheus (Ridley Scott, 2012) se estrenará en España el 10 de Agosto, dos meses después de su estreno en USA

2012-01-25T02:03:00.004+01:00

Esto me obliga a hacerme unas preguntas ¿Son gilipollas los chicos de Hispano Fox Films? ¿O simplemente unos incompetentes que nos saben hacer su trabajo en un tiempo razonable? La respuesta a una de estas dos preguntas tiene que estar muy cerca de la verdad.

Planteo estas dos cuestiones por un simple hecho ¿Qué es lo que harán la mayoría de fans españoles ansiosos por verse la película? Descargarla a saco y si se da el caso de que no les gusta o no es lo que esperaban prescindirán de ir a verla al cine. Así que ahora los chicos de Fox España toman decisiones que fomentan la piratería, dejando a juicio de quien lea esto si son incompetentes o simplemente gilipollas. Por lo que sé de marketing esto es un suicidio, los de FOX deben creer que recaudarán más estrenando la película en pleno verano/Agosto, esto hace años sería una buena idea pero la existencia de las descargas y las nuevas tecnologías les harán perder muchos € y sospecho que se la trae al pairo.

Es lo que tiene tener la mentalidad oportunista de un vendedor de chorizos, o dicho de otra forma más amable: Compañías como FOX están completamente desconectadas del público y eso implica pasar olímpicamente del mercado.

Crítica de “Confesiones de una Mente Peligrosa” por Daniel Rodríguez Sánchez

2012-01-24T13:00:00.000+01:00

Ficha Técnica:

Titulo original: “Confessiones of a Dangerous Mind”.
Año: 2002.
País: Estados Unidos.
Duración: 113 min.
Director: George Clooney .
Guión: Charlie Kaufman.
Producción: Bob Weinstein, Harvey Weinstein, Steven Soderbergh, Amy Minda Cohen, Stephen Evans, Jonathan Gordon, Gym Hinderer, Andrew Lazar, Rand Ravich, Far Shariat, Jeffrey Sudkin.
Fotografía: Newton Thomas Sigel.
Música: Alex Wurman.
Montaje: Stephen Mirione.
Diseño de producción: James D. Bissell.
Reparto: Sam Rockwell, Drew Barrymore, George Clooney, Robert John Burke, Julia Roberts, Rutger Hauer.

Sinopsis:

“Confesiones de una Mente Peligrosa” cuenta la vida de Chuck Barris, afamado productor y presentador de television. Barris llevaba una doble vida en la que combinaba su meteórico ascenso de popularidad en la pequeña pantalla con los trabajos que debía realizar en la sombra para la CIA.

Crítica:

“Confesiones de una Mente Peligrosa” (“Confessiones of a Dangerous Mind”, 2002) supuso el debut en la dirección de uno de los rostros más populares de Hollywood: George Clooney. Nacido en Kentucky en 1961, Clooney ha pasado a convertirse en una de esas grandes figuras del cine norteamericano gracias a su atractivo, solidez, talento y esa aura de actor clásico que siempre le hizo digno de comparación con intérpretes del calibre de Cary Grant. Pero aunque responda ante el prototipo de estrella de Hollywood sus comienzos no fueron nada fáciles: tras combinar, a finales de los 80, apariciones en series de televisión como “Se ha escrito un crimen” ( “Murder, She wrote”) o “Las Chicas de Oro” (“The Golden Girls”) con películas totalmente tercermundistas como “Return to Horror High” (íd, 1986), “El Retorno de los Tomates Asesinos” (“Return of the Killer Tomatoes!”, 1988) o “Surf Connection” (“Red Surf”, 1988) su carrera cambiaría para siempre cuando aceptó el papel del doctor Doug Ross en “Urgencias” (“ER”) una de los seriales de televisión más populares creado por Michael Crichton y apadrinada por nada más y nada menos que Steven Spielberg.

Convertido ya en una estrella de la televisión, fue inevitable su vuelta al cine, esta vez con películas de primera línea: “Abierto Hasta el Amanecer” (“From Dusk Till Dawn”, 1996) “Un Día Inolvidable” (“One Fine Day”, 1996) o “El Pacificador” (“The Peacemaker”, 1997) que le convertirían en uno de los rostros más conocidos del cine norteamericano, hasta el punto de encarnar a Bruce Wayne/Batman en la inefable “Batman y Robin” (“Batman and Robin”, 1997). El resto, como se suele decir, es historia: películas como “Un Romance muy Peligroso” (“Out Of Sight”, 1998) “O Brother” (“O Brother, Where Art Thou”, 2000) o “Ocean´s Eleven” (íd, 2001) le llevaron a ser actor fetiche de realizadores tan interesantes como Steven Soderbergh o los hermanos Coen, que junto a otros títulos como “Tres Reyes” (“Three Kings, 1999) ó “La Tormenta Perfecta” (“The Perfect Storm”, 2000) ya le consolidarían como una de las estrellas más conocidas del Hollywood moderno.

Clooney, que es una buena muestra de aportación de sobriedad y carisma las interpretaciones independientemente del tipo de película en la que aparezca, siempre tuvo una inquietud cinematográfica mucho más allá que la concerniente a la interpretación. Su grandísima relación con algunos de los cineastas con los que trabaja con asiduidad (Soderbergh y hermanos Coen a la cabeza) le despertó el interés por pasarse al otro lado de la cámara, culimando en el año 2002 (bajo la producción de “Section Eight”, la compañía que el propio Clooney fundó con Soderbergh) a coger uno de esos proyectos malditos de Hollywood, basado en la autobiografía de Chuck Barris.

Barris pasó a la historia como un afamado productor y televisión, padrino de programas de gran calado como “The Newlywed Game” o “The Gong Show”. Su carácter enérgico y dicharachero le convirtieron en de los rostros más conocidos de la pequeña pantalla. Pero la biografía de Barris no hubiera calado tanto en la cultura popular si no fuese porque alternaba su incipiente éxito en televisión con la realización de encargos para la CIA, la agencia de inteligencia de los Estados Unidos. Barris variaba sus programas hasta el punto de que el desarrollo de los mismos le sirviese como coartada para sus trabajos en la sombra, haciendo que por ejemplo algunos concursantes de sus programas realizasen viajes a Helsinki o Berlín Occidental y así levantar las menos sospechas posibles de su doble tarea. La ajetreada vida de Barris (quien por cierto, también era compositor y sobrevivió a un cáncer de pulmón) siempre fue un jugoso caramelo para Hollywood y su siempre presente predisposición a realizar remakes, hasta que Charlie Kaufman, ese peculiar guionista de títulos tan célebres como “Como Ser John Malkovich” (“Being John Malkovich, 1999) de Spike Jonze u “Olvídate de Mí” (“Eternal Sunshine of Spotless Mind”, 2004) de Michel Gondry, se encargase de realizar el libreto del biopic basado en la propia autobiografía escrita por Barris.

Una vez aceptado el peculiar punto de vista de Kaufman sobre la vida de Barris, comienza la producción, barajándose nombres para la silla del director como David Fincher, Bryan Singer (quien aceptó, pero tuvo que declinar la oferta a última hora ante el inesperado éxito de su “X-Men” (íd, 2000) para ponerse cuanto antes a realizar la secuela). Finalmente, se le daría a Clooney la oportunidad de estrenarse como director, entrando de lleno en la producción Section Eight, la compañía fundada por el propio Clooney con su íntimo Steven Soderbergh con el que financian sus películas y algunos proyectos “amigos”. La carrera como director de Clooney culminaría tres años después con “Buenas noches, y buena suerte” (“Good night, and good luck”, 2005), película que basándose también en un hecho real (el conflicto entre el periodista Edward R. Murrow con el señador McCarthy) proporciona a su director un aluvión de críticas positivas y un ya muy merecido respeto como cineasta. Luego llegaría “Ella es el partido” (“Leatherheads”, 2007), con discretísimos resultados de taquilla y crítica, y su última película hasta el momento, la aún inédita en nuestro país “Los Idus de Marzo” (“The Ides Of March”, 2011) volviendo de nuevo a ganarse a la crítica y entrando en muchas quinielas en las ceremonias de premios previas a los Óscars.

Aunque vista a día de hoy, con un Clooney ya asentado como un respetado y talentoso realizador, podemos decir que “Confesiones de una Mente Peligrosa” es una película con una atrevida puesta en escena que se aleja de los convencionalismos propios de algunos cineastas inexpertos. Aún así, ese descaro de Clooney al afrontar el libreto le originó problemas desde el inicio del rodaje, cuando algunos de los productores, temerosos de que la película adquiriese una anti-comercialidad que la postrase al olvido, ejercieron presiones sobre el director hasta el punto de llegar este a amenazar con dejar el proyecto. Una vez finalizada la película, el guionista Charlie Kaufman expresó públicamente su rechazo al trabajo de Clooney, con estas declaraciones (fuente: imdb): “Pasé mucho tiempo trabajando en el guión, pero parece que a Clooney y a mí no nos interesaban las mismas cosas; No tengo ninguna aversión hacia él, pero es una película con la que no quiero que se me relacione”. En su defensa, el director y actor de Kentucky reconocería que sí hizo algunos cambios en algunas escenas, pero con el objetivo de que el estudio pusiese el menor número de detrimentos posibles; y estando los hermanos “manostijeras” Weinstein (tal y como se les conoce en Hollywood) a la producción, no parece para nada una decisión equivocada.

Si hay una palabra con la que podemos definir “Confesiones de una Mente Peligrosa”, es la de curiosa. Partiendo de lo hilarante que pueda ser su punto de partida (recordemos, basado en una historia real), Clooney aparta cualquier síntoma de “amateurismo” para presentar a la película con un gusto visual exquisito y una narración lejana a cualquier tipo de convencionalismo. La película funciona, como la propia vida de Barris, a dos bandas; excelente dualidad de comedia y drama, con excepcional gusto con la combinación entre la sátira y mala baba para una, y la tosquedad y sequedad para la otra.

Clooney dramatiza la vida de Barris como si uno de sus exitosos “reality shows” fuera, con el derroche de sarcasmo, luminosidad y falsa realidad propio del por entonces creciente fenómeno televisivo, con un acertado protagonismo del bizarrismo ya presente en la propia historia real de la curiosa vida del afamado presentador de televisión. El potencial visual y narrativo de la película funciona, detectando en él algunas de las influencias inevitables por aquel entonces de los cineastas que de una u otra forma han marcado a Clooney; y es que, el intento del director de buscar llamativos ángulos de cámara, el admirable gusto del plano imposible y una puesta en escena cristalina evoca a los aciertos visuales de Steven Soderbergh, principal socio de Clooney en Hollywood hasta nuestros días y que ya en su ópera prima (la exitosa “Sexo, Mentiras y cintas de vídeo” [“Sex, Lies, and videotape”, 1989]) se hacía ver como una futura estrella del cine Indie norteamericano y un realizador con excepcional tacto a la hora de colocar la cámara (sin ir más lejos, dirige la fotografía de la mayoría de sus Films). También podemos resaltar otra influencia notable, la de la pareja de cineastas con la que Clooney aprendió tanto en sus rodajes: los hermanos Coen. La vertiente cómica de “Confesiones de una Mente Peligrosa”, tiene al menos un intento de llegar a la mordacidad y socarronería de los realizadores de “Sangre Fácil” (“Blood Simple”, 1984) con la inherente y envenenada rotación hacia terrenos dramáticos tal y como ocurre en todo el tercio final de la película, acorde al propio desenlace final de las andanzas de Barris.

El peso de la película recae enteramente en Sam Rockwell, que ofrece una interpretación arrolladora. Completísimo retrato de Barris, con una sobreactuación para nada molesta en su vertiente cómica, y un dramático retrato de su personalidad en las partes que la película adquiere tintes muchos más oscuros y trágicos. Rockwell brilla especialmente donde “Confesiones de una Mente Peligrosa” se aúpa hacia terrenos mucho más pantanosos, pero resueltos de forma muy honrada, aquellos en los que se abandona toda la diafanidad del mundo televisivo creado por Barris para rotar a todo el componente dramático de la historia. En esta vuelta de tuerca la personalidad de Chuck debe abandonar todo tinte mordaz para afrontar la oportunidad de reflexionar y realizar cambios en su vida, no apartando el amor de la elección de ese camino. Por estos derroteros, que son por los que película camina con mucho más acierto, Clooney nos muestra dos modestos pero muy acertados dibujos de personajes femeninos; por una parte, Penny, (interpretada excepcionalmente por Drew Barrymore) la mujer con todo lo necesario de aportación para que Barris siga un camino lejano a las excentricidades propias de su biografía, y por otra, Patricia (una curiosísima Julia Roberts alejada de los tics propios de sus papeles más célebres) como la “femme fatale” que utilizará a Barris con propósitos no poco desleales.

“Confesiones de una Mente Peligrosa” aprovecha sus dos coyunturas (el retrato del mundo televisivo con el inocente tratado del cine de espías) para denunciar a una sociedad turbia, manejable y fantasmagórica con la recreación de la falsedad del mundo televisivo como telón de fondo, algo que Clooney no abandonadrá, aunque con un aspecto mucho más convencional, en su siguiente film “Buenas noches, y buena suerte”.

Curiosidades:

• Muchas de las escenas, especialmente las que recrean a los famosos realities creados por Barris, están rodados en una sola toma.

• A favor a su amigo George Clooney, Drew Barrymore y Julia Roberts rebajaron sus salarios hasta cobrar sólo 250.000 dólares. Brad Pitt y Matt Damon, hicieron sus cameos totalmente gratis.

• A parte de a David Fincher y Bryan Singer, también se le ofreció el proyecto a David O. Russell, pero rechazó la oferta declarando que no haría una película que trata de “un tío que sólo le gustaba tirarse a chicas y decir que había disparado a gente en la cabeza”.

• Sam Rockwell fue la primera opción de Clooney para el papel de Barris. Antes que George fuese nombrado director, se barajaron nombres como Mike Myers, Ben Stiller o Johnny Depp para el papel.

EMONcionante especial: “Michael Myers” (febrero), “Quentin Tarantino” (marzo), cine negro y acción.

2012-01-23T18:23:00.000+01:00

Los chicos de Ultramundo hemos decidido tirar la casa por la ventana y proponer un doble especial con Emon que hará las delicias de los aficionados a Quentin Tarantino y al cine de acción. Con respecto al especial “Halloween” y al de “Quentin Tarantino” los títulos serán los siguientes:

Halloween

• Halloween: La maldición de Michael Myers

• Halloween H20

Quentin Tarantino

• Pulp Fiction

• Jackie Brown

• Abierto hasta el amanecer

Solo os diremos en su momento que películas reseñaremos que no estén cedidas por Emon, porque amplificaremos sendos especiales con películas escogidas por nosotros. Para rematar la faena, también os mostramos un listado de películas de Emon que serán reseñadas al margen de ambos especiales:

• Confesiones de una Mente Peligrosa

• Blitz

• Cruzando la Oscuridad

• Cosas que hacer en Denver cuando estás muerto

De corruptos y ‘piratas’

2012-01-23T13:35:00.001+01:00

Aquellos [políticos] que cuentan con un presupuesto de apoyo de ‘Hollywood’ tienen que entender que esta industria está observando con mucho cuidado quién la defiende cuando su trabajo está en juego. No me pida que le firme un cheque cuando usted cree que su trabajo está en peligro y luego me ignore cuando es mi trabajo el que está en juego”

Son declaraciones de Chris Dodd, político demócrata estadounidense y, a la vez, oh, director de la Motion Picture Association of America (MPAA), una de las principales impulsoras de la batalla contra la ‘piratería’ y de las leyes SOPA y PIPA, las ‘leyes Sinde‘ norteamericanas.

Así de transparentes y así de claras. En Fox News, tal y como denuncian varios medios. Una amenaza en toda regla hacia aquellos representantes públicos que osen desertar de la connivencia que mantienen con la industria cultural y una confesión en toda regla de la corrupción que rodea a las ofensivas ‘procopyright’ en aquel país.

Si ya resulta escandaloso que un político (Dodd es senador desde 1981 y fue candidato a las Elecciones Presidenciales en 2008) ejerza, a la vez, un cargo público y otro privado, especialmente si este último tiene que ver con una de las industrias más poderosas del país con intereses manifiestos en leyes que se promueven en las propias instituciones, supone una auténtica desvergüenza y una intolerable tomadura de pelo a la democracia que aparezca en un medio de comunicación para amenazar a los políticos no corruptos, no demasiado corruptos o cansados de ser corruptos con la ira y represalia del sector privado que representa.

¿No hay policías, fiscales ni jueces que persigan estos delitos con el mismo o la mitad de ahínco que a Megaupload?

Tiembla uno al pensar que estos personajes son los mismos que presionaron y continúan presionando a los políticos y sucursales españoles para que dicten leyes en su favor. ¿Quiénes son los ‘piratas’? Hay que decirlo más.

Fuente: http://mangasverdes.es/2012/01/23/corruptos-y-piratas/

El ocaso de Hollywood

2012-01-23T12:45:00.002+01:00

Muchos dicen que, con el caso Megaupload, ha empezado la guerra de Internet. Algunos hasta hablaron de la tercera guerra mundial. Pero la verdad es que no es una guerra nueva, si no que lleva ya años en marcha.

Hollywood ya ha renunciado a su propósito inicial. Ahora ya no hace películas (no tengamos Marmaduke en cuenta, que un mal día lo puede tener cualquiera), pero su principal modelo de negocio ha pasado de las películas al merchandising, y ahora a destruir cualquier atisbo de competencia. Y para ello no dudan en llevarse a quien haga falta por delante.

La estrategia de la industria del ocio y del entretenimiento, con Hollywood y los grandes sellos discográficos a la cabeza, pasa por convertir a sus antiguos clientes en sospechosos delincuentes de la propiedad intelectual y en pecadores del copyright.

Desde Napster, el primer gran caso mediático, hasta el último por el momento, Megaupload, el reguero de acciones de la industria del ocio en contra de Internet ha ido aumentando.

Protecciones y soluciones anti-copia, en las cuales se han gastado una cantidad de dinero que raya lo ridículo, si la comparamos la nula efectividad de las medidas, ya que la mayoría se craquean en cuestión de días u horas.

Cuando eso no funciona, modificaciones legislativas cada vez más rígidas destinadas a “pacificar Internet”, porque para los señores de la industria del ocio, la red es “el salvaje oeste”, y la cosa es que tienen razón. En el Viejo Oeste real las cosas fueron diferentes, pero en el “far west” de las películas todos hemos visto al malo maloso que primero dispara y luego hace las preguntas...

Precisamente eso es lo que hacen las nuevas leyes del copyright cocidas en las diferentes embajadas estadounidenses: alguien te incluye en una lista negra, te desconectan el servidor o te cortan la conexión de casa, te secuestran el dominio, te bloquean las cuentas del banco y, al cabo de unos días, semanas o meses, puede que venga alguien (o puede que no…) y te pregunte “¿tiene algún problema, forastero?”.

Pero como el caso Megaupload está demostrando, ¿para qué hacer legislaciones específicas para Internet, si la legislación vigente ya funciona? ¿Para qué establecer una censura y control de las comunicaciones exhaustivos, que superan las más lúbricas fantasías de la STASI, la GESTAPO y el KGB juntos?

Cuando alguien pasa a comportarse como el perro rabioso del hortelano, el que ni come, ni deja comer y encima se te orina en la pierna y el sofá, es que tiene miedo. Concretamente en este caso, miedo a desaparecer.

Pero que Hollywood desaparezca es lo mejor que le puede pasar a la ciudadanía del mundo occidental, al menos para YCombinator, una inversora de capital riesgo que, entre otros, financió a Reddit, Dropbox, Scribd, Weebly, Disqus, Posterous y AeroFS cuando eran pequeñas startups, y que ahora está en busca de talentos que puedan competir con el modelo Beverly Hills:

¿Cómo haces que la industria del cine y la televisión desaparezcan? O mejor aún, ¿que es lo que las va a matar? Principalmente, nada de lo que piensan que les está matando lo hace, el intercambio de ficheros. Lo que va a enterrar las películas y la televisión es lo que ya está pasando: mejores formas de entretener a la gente. La mejor vía de acercamiento al problema es preguntarse: ¿qué va a hacer la gente para divertirse dentro de 20 años, en lugar de lo que hacen actualmente?

La audiencia es enorme aunque limitada, y está esperando a que alguien le ofrezca algo interesante. Quien responda a esa pregunta, conseguirá atraer a esa audiencia. Pero una nueva ley para impedir que nadie responda no atraerá a nadie. En todo caso, lo contrario.

Como decía al inicio del artículo, el modelo de Hollywood está tocado de muerte, y como todo buen animal herido, no dudará en llevarse por delante todo lo que pueda.

Como dicen desde YCombinator, “esto puede causar mucho mucho daño a los derechos y libertades civiles, hay que aliviar el sufrimiento de Hollywood y acelerar su desaparición”. Será mejor para todos.

Fuente: http://www.nacionred.com/derechos-y-libertades/el-ocaso-de-hollywood

Marzo negro: Megaupload y el principio de acción y reacción

2012-01-23T01:59:00.003+01:00

Acaba de enviarme esto alguien que lo ha visto en Tuenti: dos páginas al respecto, que suman ahora mismo más de cinco mil seguidores. Lo he visto también en páginas y eventos en Facebook en español y en inglés, en esta página web, en Forocoches, en Reddit, y en algunos vídeos en YouTube. No es mal momento para recordar que Megaupload tenía más de ciento ochenta millones de usuarios en todo el mundo.

Es lo que tiene invocar a los demonios…

Fuente: http://www.enriquedans.com/2012/01/operacion-megaupload-accion-y-reaccion.html

Alien vs Predator Unlimited: Todas las figuras de “Alien vs Predator” fabricadas por McFarlane serán reseñadas en 2012

2012-01-21T15:44:00.001+01:00

Recientemente he conseguido adquirir el “Elder Predator” de “Alien vs Predator serie 1” por un precio altamente ridículo, aunque de segunda mano. El precio fue de 31´60€ correos incluido y además me llegó con un “Battle Alien” de regalo, aunque sin tumba.

Con esto ya han quedado completadas todas las figuras que McFarlane realizó sobre “Alien vs Predator”, un total de 15 figuras contando como unidad los dioramas de “Alien vs Predator serie 2”.

Ahora que tengo la colección al completo ya me siento plenamente capacitado para anunciar que este año, pase lo que pase, se reseñarán estas las tres colecciones de McFarlane al completo más las novedades que vayan saliendo.

También comentaros que las series de “Aliens vs Predator Requiem” de NECA están casi completas, solo faltan 4 figuras por reseñar y una por comprar, vamos que a día de hoy podría hacer tres reseñas. Las figuras de NECA también serán reseñadas.

Para 2013 dejaré en la nevera todo lo que falta de “Movie Maniacs serie 6” y de su ampliación “Alien and Predator”, de las que solo me faltan 4 figuras de “Alien and Predator”, también será cuando salgan las dos reseñas de cierto marine colonial de “Movie Maniacs serie 7”.

Crítica de “Pesadilla en Elm Street: El Origen” (Samuel Bayer, 2010) por Iván Suárez Martínez

2012-01-20T17:25:00.001+01:00

Ficha Técnica:

Titulo: A Nightmare on Elm Street.
Año: 2010-
País: Estados Unidos.
Duración: 91 min.
Director: Samuel Bayer.
Guión: Wesley Strick y Erik Heisserer, basado en los personajes de Wes Craven.
Producción: Michael Bay, Andrew Form y Brad Fuller.
Fotografía: Jeff Cutter.
Música: Steve Jablonski, con temas de Charles Bernstein.
Montaje: Glen Scantlebury.
Diseño de producción: Patrick Lumb.
Reparto: Jackie Earle Haley (Freddy Krueger), Kyle Gallner (Quentin Smith), Rooney Mara (Nancy Holbrook), Katie Cassidy (Kris Fowles), Thomas Dekker (Jesse Braun), Kellan Lutz (Dean Russell), Clancy Brown (Alan Smith)

Sinopsis:

Un hombre con la cara quemada, un jersey a rayas y un guante con cuchillas aparece en los sueños de los adolescentes de Springwood. Cuando empiecen a morir en extrañas circunstancias mientras duermen, se empezarán a preguntar qué tendrá que ver un jardinero con el que jugaban de niños y la muerte que sufrió a manos de unos padres dispuestos a tomarse la justicia por su mano.

Crítica:

Hay muchas maneras de que un estudio o productora en Hollywood haga mucho dinero. A veces lo consiguen haciendo buenas películas. Pero lo normal es que recurran a fórmulas archiconocidas. Como por ejemplo facturar secuelas, precuelas y spin-offs como churros, cintas en su mayoría y salvo excepciones olvidables y sólo un puñado de ellas dignas de atención. El caso que nos ocupa es el de otra modalidad muy de moda por allá: el “remake” o “reboot”. Un campo en el que esta tendencia hace furor es en el del cine de terror, repleto de ídolos del “Slasher” a los que poner al día según las circunstancias de la generación a la que va dirigida. Para esta generación “neng”, como me gusta llamarla a mi, hay una productora especializada en remakear todos aquellos títulos míticos de los 70 y 80 que dirige Michael Bay cuando tiene tiempo libre entre robots gigantes, explosiones, militarismo y muebles andantes ideales para portadas de “Maxim”: Platinum Dunes. Productora encargada de perpetrar los remakes de “La Matanza de Texas” (The Texas Chainsaw Massacre, Tobe Hooper, 1974), “Terror en Amityville” (The Amityville Horror, Stuart Rosenberg, 1979), “Carretera al Infierno” (The Hitcher, Robert Harmon, 1986), o “Viernes 13” (Friday the 13th, Sean S. Cunningham, 1980) y que contrata a “Yesman” salidos de las peores escuelas del videoclip a lo MTV para rodearlos de un equipo técnico más o menos solvente , un elenco de jóvenes ídolos de la juventud “neng” y actores de prestigio para realizar papeles secundarios o directamente de villanos.

Con estas coordenadas se anunció a bombo y platillo allá por 2008, desde las oficinas de la productora de Bay, un reboot de “Pesadilla en Elm Street” (A Nightmare on Elm Street, Wes Craven, 1984), con el apoyo de una New Line Cinema ya sin Robert Shaye ni Rachel Talalay pululando por allí, sino con Bay y el jefe de producción del estudio Toby Emmerich supervisando todo. Se dijo que los chistecitos de Freddy quedarían atrás y que se optaría por el terror puro y duro. Wesley Strick, guionista de otro remake famoso como “El Cabo del Miedo” (Cape Fear, Martin Scorsese, 1991) y que había impresionado a Emmerich con un guión para una precuela de “Seven” (David Fincher, 1995) que nunca se rodó, fue el encargado de escribir un guión que acabaría siendo reescrito por Erik Heisserer. Con el guión casi listo, Bay eligió a dedo al “Yesman” encargado de plasmarlo en imágenes. Y en principio, no fue una mala apuesta: Samuel Bayer, el director del legendario videoclip de Nirvana “Smells Like Teen Spirit” y autor de clips escabrosos como “The Heart’s Filthy Lessons” para David Bowie. Un reticente Bayer, al que Bay convenció para dar el salto al largometraje, decidió hacer cambios en el guión. El más importante de todos, el convertir a Krueger en lo que pretendía Craven en la primera entrega de la saga y no pudo hacer: en un pederasta ajusticiado por los padres de sus víctimas. Mientras Bayer empezaba la pre-producción, Wes Craven se quejaba de que no se contase con él como “consultor” y Robert Englund daba sus bendiciones al proyecto y al encargado de interpretar al Freddy del Siglo XXI.

Jackie Earle Haley era un actor que acompañó a Johnny Depp allá por 1984 al casting de la “Pesadilla” original. Ambos amigos codiciaban obtener un papel en la película. Depp lo consiguió, Haley no. 25 años después, Haley acababa de triunfar con su Rorschach para “Watchmen” (Zack Snyder, 2009) y en los foros de Internet se sugería su nombre para interpretar a Freddy. Entre eso y que Bayer consiguió el video del casting en el que se hizo con el papel de Rorschach, Haley consiguió el papel. Jovencitos guapos como Katie Cassidy, Thomas Dekker, el “crepusculín” Kellan Lutz o una Rooney Mara poco antes de convertirse en la nueva musa de David Fincher serían los encargados de lidiar con Freddy. Para completar el casting, Clancy “Kurgan” Brown aportó veteranía como el líder del grupo de padres vengativos contra Krueger y encargado principal de dejarle bastante quemado. Justo antes de gritar “acción”, Bayer decía que quería hacer con Krueger lo que Christopher Nolan hizo con “Batman”: Seriedad y realismo. Empezando por el maquillaje de Krueger, más cercano al aspecto de un verdadero quemado vivo que al de una pizza humana. Todo eso era la teoría.

A la hora de poner sus ideas en práctica, Bayer tuvo un presupuesto de 35 millones de dólares para un rodaje efectuado casi en su totalidad en el estado de Illinois. Tras rodar la película sin incidentes dignos de mención, tocaba irse a la sala de montaje. En pleno proceso de postproducción se coqueteó con convertir la cinta al 3D de turno, idea descartada por Platinum Dunes con el buen criterio, sin que sirva de precedente, de que “las películas que no se ruedan originalmente para el formato 3D no deben convertirse a lo chapucero”. Después de un buen toma y daca con el estudio, Platinum Dunes impuso su parecer. El 10 de Abril de 2010 se estrenó por todo lo alto esta nueva revisión del mito Krueger, con una recaudación mundial de 115 millones de dólares. Pese a recuperar la inversión con creces, el invento no fue el éxito apoteósico esperado en USA tras un magnífico arranque en el primer fin de semana. Los palos críticos y el boca-oreja de los fans de que la película era una decepción debieron pesar lo suyo. Rooney Mara declaró a posteriori que hacer la película fue “un error” y que “en realidad no quería hacerla”, como dice todo actor a posteriori cuando es consciente del fracaso taquillero y/o artístico en el que se metió. Los fans de Freddy salvo raras excepciones se olvidaron pronto del pobre Jackie Earle Haley, quizás el que menos culpa tuvo.

Y una vez vista la película, servidor la considera (a falta de revisar “Pesadilla Final: La muerte de Freddy”…pocas ganas) la peor de toda la saga. Difícil empezar a comentar algo del desaguisado. Aunque en un principio Bayer parecía una buena elección a juzgar por la imaginería de sus videoclips, aquí curiosamente parece un director del montón, filmando la película con el piloto automático y con una alarmante falta de garra (Je. Je. Je.) a la hora de fotocopiar los momentos icónicos del original de Wes Craven, como el guante saliendo de la bañera y la víctima asesinada en el techo No sólo hay que señalar a la primera entrega como fuente de ideas desperdiciadas: Bayer y compañía “toman prestado” el chistecito de “a esto lo llamo un sueño húmedo” que culminaba uno de los mejores momentos de “Pesadilla en Elm Street 4”. En aquella ocasión, la frase provocaba sonrisas; aquí, indiferencia. Indiferencia provocada básicamente por un guión de puro “déja vú” no ya en la trama y en sus personajes sin interés, sino en los sustos telegrafiados que fallan en su propósito a base del más manido “ruido súbito con los altavoces a toda potencia, unos efectos digitales que cantan “la Traviata” en los momentos culmen y una galería de muertes de originalidad nula.

Indiferencia de la que también se contagia el reparto de jovencitos. Empezando por una inexpresiva Rooney Mara, verdadero antídoto contra el carisma en este film y de la que poco importan sus luchas contra el vengativo Krueger y acabando por el “crepuscular” Kellan Lutz, quien tiene el dudoso honor de ser la víctima de un prólogo en un restaurante con posibilidades malogradas por la torpeza de Bayer, teniendo que intentar salvar la papeleta el bueno de Clancy Brown, que aporta seriedad a su personaje. Toca hablar de Jackie Earle Haley. Abandonado por el guión y la dirección, sólo le faltaba para rematar la faena el decepcionante maquillaje de “NeoKrueger”, mitad artesanal mitad CGI que en principio busca asemejarse al aspecto de un quemado de verdad pero que a efectos prácticos convierte su rostro en gatuno, provocando más risa que miedo. Con todo en contra, Haley hace lo que buenamente puede, destacando no como monstruo, sino en sus escenas donde se muestra el pasado como jardinero de Krueger, sus fechorías en off y el ajusticiamiento por parte de los padres. Uno piensa, durante la proyección, de que habría estado magnífico con otro maquillaje, enfoque y equipo.

Quien quiera buscar virtudes en la película, deberá conformarse con que la cosa se anima un poco a partir del flashback del ajusticiamiento y a partir de ahí, hasta cierto punto, la cinta es entretenida con los niveles de exigencia en estado abisal y que Bayer aporta de su cosecha en los enfrentamientos con Freddy en la caldera una efectiva fotografía rojizo-anaranjada reminiscente de algunos de sus trabajos en el mundo del videoclip. Poco más. Lo que no consiguieron las chicas de la calle Elm lo consiguió el Hollywood de hoy en día: Cargarse a Freddy. Pero no se preocupen: Acaba de anunciarse otro reboot para ver si por fin suena la flauta. Wes Craven espera el correspondiente ingreso en su cuenta bancaria por aquello de la parte que le corresponde por derechos del personaje. Nosotros esperamos poder contarles que Freddy (esta vez sí) is back!

Curiosidades:

• Billy Bob Thornton fue el otro aspirante principal para el papel de Krueger.

• Cual Dustin Hoffman en “Marathon Man” (John Schlesinger, 1976), Kellan Lutz pasó varios dias sin dormir para meterse de lleno en su personaje. Vistos los resultados, ojalá pudiera decir que lo logró.

• Se le ofreció un Cameo a John Saxon, pero tenía su agenda llena.

• Jackie Earle Haley improvisó a menudo sus frases en el rodaje para que los demás miembros del reparto se pusieran nerviosos al desconocer qué diría Krueger.

• Kyle Gallner sufrió un corte en su abdomen con una de las cuchillas de Freddy por accidente.

• Los personajes de Kris y Jesse recuerdan en sus nombres a Kristen Parker (“Pesadilla en Elm Street 3: Los guerreros del sueño” y “Pesadilla en Elm Street 4” ) y Jesse Walsh (“Pesadilla en Elm Street 2”)

• Originalmente la película estaba planteada como una precuela de “Pesadilla en Elm Street” y estaría protagonizada por Robert Englund quien se jactó en su momento de lo que le alegraba poder hacer el papel de Krueger sin maquillaje. Un experimento así ya se había hecho para “Las pesadillas de Freddy”.

• En España se le añadió al título la coletilla “El Origen” para tratar de vender el producto como algo parecido al remake-precuela de “Halloween” (2007) dirigido por Rob Zombie. No teniendo esto nada que ver con un supuesto homenaje al planteamiento original de “Pesadilla en Elm Street: El Origen” como precuela.

Una de sinvergüenzas: www.juguetesdecoleccion.com

2012-01-20T13:01:00.002+01:00

Coger cosas de los demás sin permiso es una cosa muy triste y ayer me he encontrado dos vendedores que están usando fotos de mis artículos en sus respectivas páginas de venta sin pedirme permiso y sin citar la fuente original. Vamos, que las están utilizando como si fueran suyas. Concretamente o expongo el primer caso, si miráis este link:

http://www.juguetesdecoleccion.com/movie-maniacs/

Os daréis cuenta de que la foto de encabezado es esta:

Que pertenece a mi artículo sobre el “T-800 Endoskeleton” de Movie Maniacs serie 5, que de sobras es conocido por los lectores de merchandising de este blog y que casualmente es de los primeros resultados de google si ponemos “Movie Maniacs series 5”. Lo más sangrante y lo que me lleva a escribir esto es que decidí contactar a la página web para solucionar esto de la forma más cordial posible:

“Hola,

Soy el administrador de http://cineultramundo.blogspot.com/,me gustaría que retirases tu foto del T-800 Endoskeleton de Movie Maniacs 5 de tu artículo sobre Movie Maniacs ya que esa foto me pertenece y tú la has cogido sin mi permiso.

Un abrazo, Miguel Díaz”

Para mi sorpresa, sin pedir disculpas en ningún momento, me piden el enlace al artículo original y el registro de la propiedad intelectual. Les paso enlace y les explico que eso ya es suficiente para demostrar que la foto es mía y no se puede coger por las buenas. Increíblemente se han negado a retirarla o a poner un link reconociendo que es mía. Que una tienda on-line haga esto me parece de lo más asquerosamente impresentable y falto de profesionalidad.

Para demostrar aún más mis palabras, os pongo un pedazo de un artículo sobre este tema que podéis leer pulsando AQUÍ donde se demuestra que este tipo de choriceos son ilegales:

“Este caso de las páginas agregadoras que copian los contenidos de otras viene a ser el equivalente al top manta en la web. Al hecho de coger las obras de otros para comercializarlas, añaden el de postularse como sus autores. Es como si además de coger un disco Michael Jackson y hacer copias para venderlas, dijera que las canciones las he compuesto yo.

Muchas veces los practicantes del copy y paste quieren identificar su parasitismo con el compartir contenidos y que su persecución es análoga a la que sufre el P2P. No lo es, lo que están tomando es un contenido que ya era gratis, están atribuyéndose una autoría que no les corresponde y poniendo su AdSense sin aportar ningún valor. Hay una cantidad ingente de contenido con licencias Creative Commons en la web, si alguien quiere ayudar a difundirlo genial: desde ponerlo en otras webs hasta crear PDFs para pasarlo por P2P... pero copiar y pegar y añadir tu publicidad no es compartir, es otra cosa.”

Crítica de “Giallo” (Dario Argento, 2009) por Iván Suárez Martínez

2012-01-20T01:12:00.000+01:00

Ficha Técnica:

Titulo original: Giallo.
Año: 2009.
País: USA, Reino Unido, España, Italia.
Duración: 90 min.
Director: Dario Argento.
Guión: Dario Argento, Jim Agnew, Sean Keller.
Producción: Rafael Primorac, Richard Rionda Del Castro, Adrien Brody.
Fotografía: Frederic Fasano.
Música: Marco Werba.
Montaje: Roberto Silvi.
Diseño de producción: Davide Bassan.
Reparto: Adrien Brody, Elsa Pataky, Emmanuelle Seigner, Robert Miano.

Sinopsis:

La modelo americana Celine (Elsa Pataky) es secuestrada en Milán durante la Semana de la Moda. El autor es un asesino en serie anónimo que terminará siendo conocido bajo el seudónimo de Giallo (Amarillo) y que hace pasar a sus víctimas por diversas torturas antes de asesinarlas. Linda (Emmanuelle Seigner), la hermana de Celine, deja el asunto en manos del inspector Enzo Lavia (Adrien Brody), que deberá encontrar a la chica antes de que sufra el mismo destino que las víctimas anteriores.

Crítica:

Cuando se anunció a bombo y platillo el rodaje de “Giallo”, muchos sentimos gran curiosidad por el proyecto. Dario Argento llevaba una buena temporada de fiascos artísticos que hacían pensar que el genio que estaba detrás de sus mayores logros era su ex – novia Daria Nicolodi. No deja de ser curioso que justo cuando se separó de ella, concretamente durante el rodaje de “Terror en la Ópera” (Opera, 1987), fue cuando vino una ristra de títulos fallidos o directamente espantosos. Pocas joyas podemos encontrar. Para recuperar a unos fans que llevaban abandonando su nave poco a poco, Argento recurrió a realizar el esperado punto final a su incompleta “Trilogía de las Madres” formada por “Suspiria” (1977) e “Inferno” (1980) con “La Madre del Mal” (La terza madre, 2007). A unos pocos les convenció y la mayoría abandonó definitivamente toda esperanza de recuperación. Poco después del estreno, a Argento le llegó un guión escrito específicamente para él, lo reescribió y se puso manos a la obra con un reparto de relumbrón. Por el título, parecía un homenaje al género en el que triunfó.

Pero lo que Argento dio a cambio, fue la confirmación definitiva de su triste decadencia. Mucho se teme uno que aunque el resultado final fuera montado por los productores y no por el italiano, poco se iba a mejorar de haber supervisado Argento el proyecto. De “Giallo” (amarillo) sólo tiene el color de la piel del asesino: Brody en un doble papel (y esto no es un spoiler, aunque lo parezca) y acreditado como Byron Diedra, en una caracterización al tiempo risible e imposible a lo “Porrambo”/macarra de videojuego del tipo “Final Fight” del todo a 1 euro que desfigura a chicas hermosas para convertirlas en feas (cosas de traumas infantiles) para después acabar con ellas. Lo que nos queda es un producto desangelado, inerte, aburrido, televisivo en el peor sentido del término, incomprensible por momentos y siempre triste. Si lo que leen no les asusta lo suficiente lean lo que piensa el compañero Adrián Esbilla: “Vendida como un regreso de Dario Argento sobre los estilemas/ritmos/tonos del thriller all’ítaliana que el mismo contribuiría a instaurar de forma definitiva se trata, en realidad, de un lamentable policiaco con psicópata incluido que no sobrepasa, en ningún aspecto, el nivel de cualquier telefilme norteamericano (inclúyanse los canadienses) de sobremesa o el de los productos más encallecidos del direct to DVD actual. Es decir, pobreza de medios y espíritu, interpretaciones desangeladas, especialmente patético en el caso de Adrien Brody, y formalismo formulario a la moda en cuanto a montaje, fotografía o puesta en escena (si la hubiere). La decadencia y desorientación de Argento pocas veces fue tan dolorosa y el film ni siquiera puede leerse a modo de auto-parodia, tal es su triste naturaleza real”.

Con unos Brody y Seigner prácticamente sonámbulos, un “Diedra” de verlo para creerlo y una Elsa Pataky que contra todo pronóstico acaba siendo la mejor del reparto aunque el 95% por ciento de su actuación consista pegar muchos gritos y decirle al asesino que “es feo”, al sufrido espectador le queda esperar que Argento haga sus características pirotecnias con la cámara o con la fotografía para intentar “maquillar” el resultado. O por lo menos que introduzca sorpresas en el guión. La verdadera sorpresa viene al contemplar una puesta en escena carente de imaginación y digna no de un “auteur”, sino de un “Yesman” contratado por los productores para enchufar la cámara. Planicie absoluta. Y el espectador medianamente (por no decir poco) entrenado en mil “thrillers” se huele la revelación de que el héroe tiene “un pasado”…en el que justamente asesina asesinos.

Y si no es un homenaje al género Giallo… ¿Qué es “Giallo”? Simplemente una mezcla de policíaco rutinario con el “torture porn” que popularizasen “Hostels”, “Saws” y demás en donde Argento en líneas generales pasa del gore excepto en dos momentos puntuales: El machacamiento de una cara a martillazos y la cortadura de un dedo, servidos por el siempre excelente Sergio Stivaletti y su equipo de maquilladores. Ahí es donde se encuentra el único punto de interés de un título que hace recordar aquella frase de Pier Paolo Pasolini al final de “El Decamerón” (Il Decameron, 1971): “¿Por qué realizar una obra cuando es mucho más bello soñarla solamente?”

¿Ensañamiento cruel en la reseña? No, aunque por mis palabras pueda dar pie a ese pensamiento. Simplemente tristeza por ver el fin de un director despreciable para unos, magistral para otros, de grandes glorias en el pasado, triste presente y aterrador futuro para servidor. Si nada lo impide, este año estrenará su “Drácula 3D”, suerte.

Tienes una cara... ¡que solo una madre querría! NECA desvela la primera foto de una nueva figura sobre el “Jason Voorhees” de “Viernes 13 parte 4: Último Capítulo”

2012-01-19T14:46:00.001+01:00

Sobre “Viernes 13 parte 4: Último Capítulo” ya teníamos una figura que había sacado Mezco para su super-ventas “Cinema of Fear serie 1” que puso el listón muy alto. Ahora NECA pretende lo mismo para sí y saca otra figura inspirada en esta película que parece reflejar el momento en el que Tommy Jarvis le parte la cara en el sentido más literal de la expresión. Posiblemente esta figura sea compatible con el Pack de Viernes 13 que NECA sacó para “Cult Classics serie 2” y no con la escala sobre-hinchada de Freddys y Jasons de “Cinema of Fear series 1”, “Cinema of Fear series 4”, “Movie Maniacs serie 4” o “Cult Classics serie 1”.

Cutre críticas: Cuando los críticos la cagan. Hoy “Regreso al Futuro” por Anton Merikaetxebarria en "El comercio"

2012-01-18T17:20:00.003+01:00

Reaparece por sorpresa el poco habitual por esta sección Anton Merikaetxebarría con esta “superproducción futurista” reseñada en el diario “El Comercio” del 15 de Enero de 2012 en la página 65. Rigurosidad a tutiplén. Y todavía habrá más.

Así quedaron los protagonistas al leer la crítica de Merikaetxebarria

“Producida por Ste-

ven Spielberg y dirigida por

Robert Zemekis, responsa-

ble de ‘Forrest Gumb’, esta

amena superproducción fu-

turista tuvo dos secuelas,

ambas en la misma línea.

Michael J. Fox interpreta al

joven Martin McFly, amigo

de un científico un poco ta-

rumba, que inventa una

máquina para viajar en el

tiempo y en el espacio. Así,

por culpa de un error, el

chaval retrocederá al año

1955, cuando sus futuros

Padres aún no se han cono-

cido. Efectos especiales ‘ad-

hock’ ”

Crítica del “Batman: La sombra del murciélago Nº 3” por Ramón Fermín Pérez Meana

2012-01-18T16:16:00.000+01:00

Ficha Técnica:

Titulo: Batman: La sombra del murciélago Nº 3.
Guión: Alan Grant.
Dibujo: “algunos de los mejores dibujantes de DC Comics…” (Quizás sea verdad, pero no hay duda de que se esfuerzan en disimularlo).
Portada: Anónima -quizás Simón Bisley o alguien que lo imita-.
Formato: Libro en rustica, color.
Editorial: Planeta DeAgostini.
Páginas: 240 pags.
ISBN: 978-84-684-7422-9.
Precio: 24€.

Sinopsis:

Reedición de los números 42-47 y 50-52 de The Shadow of the Bat y 26 de Catwoman (todos ellos de la edición americana). Como se ve abarca varios arcos argumentales, quizás el de más entidad sea que implica a Batman, Catman y Catwoman en la búsqueda de un misterioso ídolo gatuno de los mares del sur. Hay una historia auto-conclusiva, ambientada en los tiempos anteriores a la guerra civil americana y que muestra la implicación de la familia Wayne en la lucha contra la esclavitud. El ultimo arco sirve a Alan Grant para presentar a un nuevo - y efímero, dado el final de la historia- villano: Narcosis, que parece empeñado en proporcionar un “mal viaje” a la ciudad de Gotham en pleno.

Crítica:

Supongo que ya nadie lo recuerda, pero hubo una época no tan lejana -un poco si- en la que el mundo del comic norteamericano era un universo autárquico, cerrado a toda influencia exterior. Esa uniformidad comenzó a romperse a inicios de los 70 con la llegada de dibujantes españoles. La aportación de estos se redujo prácticamente a las revistas en blanco y negro - por otra parte tan boyantes en esta época- pero después llegaron los filipinos y estos ya se infiltraron en todas partes. En cuestión de unos pocos años se paso de un extremo a otro y, a mediados de los 70, el dibujante norteamericano de historietas parecía un espécimen condenado a la extinción, igual que el urogallo o el perro de las praderas.

Sin embargo había algo que, al igual que el Álamo, se mantenía como un reducto irreductible: los guiones. Los dibujos podían ser hechos por la Legión Extranjera en pleno, pero los guiones permanecían al cien por cien en manos de norteamericanos de pura cepa. Este último reducto también salto por los aires en los ochenta cuando, auspiciados por las necesidades de renovación de la D.C. comics, los guionistas británicos entraron en tromba en los territorios de su antigua colonia. Sin duda hay un nombre que destaca sobre todos los demás, el de Alan Moore, pero también otros que no le van demasiado a la zaga: Neil Gaiman, Garth Ennis, Grant Morrison…todos ellos lograron grandes éxitos de crítica y público, todos atrajeron la atracción de otros medios y todos realizaron en algún momento una obra que se considera trascendente para la evolución del medio.

Pero a su lado hubo un larguísimo pelotón de nombres, quizás menos ilustres, pero que no por ello realizaron obras despreciables: Joe Delano, Pat Mills, Peter Milligan, James Robinson, Dave Gibbons, Byran Talbot y unos señores que nos interesan ahora especialmente: John Wagner y Alan Grant, sobre todo el último. Wagner y Grant provenían, como la mayor parte de sus colegas, de la revista británica 2000 AD y para ella habían guionizado a sus principales personajes, empezando por el mítico Juez Dreed y siguiendo por héroes - por llamarlos de alguna manera- como Perro de Estroncio, RoboHunter o los ABC Warriors. Al contrario que autores como Moore o Gaiman a los que se les dio manga ancha para crear nuevas series - caso de Wachtmen- o para continuar otras tan olvidadas que los resultados fueron los mismos -¿que tenía que ver el Sandmam de Gaiman con sus anteriores encarnaciones aparte del nombre ?- esta pareja se vio pronto involucrada en una de las principales franquicias de la casa: El Caballero Oscuro. (lo que, como es obvio, implica mayor control editorial ) El final de los 80 y los primeros 90 fueron una era dorada en la D.C en la que cada equipo creativo era, naturalmente con los limites de rigor, dueño y señor de sus propias series sin necesidad de andar haciendo continuos - y generalmente absurdos- malabarismos para engarzar a sus personajes dentro de gigantescos arcos argumentales, tras los cuales ….”Ya nada volverá a ser igual” (y aquí sí que ni merece la pena acordarse del signor Lampedusa y su Gatopardo).

Wagner y Grant cogieron al Señor de la Noche en un momento dulce, aun estaban recientes las transcendentales aportaciones de Frank Miller, y sin necesidad de recurrir a grandes alharacas, en las colecciones “normales” del personaje, realizaron una serie de arcos arguméntales magníficos. Seguramente lo más recordado de su labor sea la recuperación de viejos villanos que en sus manos cobraron nueva vida y también la creación de otros nuevos que, en muchos casos, pasaron a formar parte del panteón de grandes Rogues del universo del Señor de la Noche.

Especialmente memorable fue El Ventrílocuo - Scarface- , un villano a la altura del Joker y Dos Caras, en el que volvían a reunirse esos dos elementos tan caros al peculiar mundo de Batman: la dualidad y la locura. Pero hubo muchos más: Mr. Zsasz, El Señor de las Ratas, o Jeremiah Arkham - el nuevo director del Arkham Asylum- y un personaje con el que Alan Grant decía sentirse especialmente identificado, Anarquía, al que podríamos considerar como el heraldo del actual movimiento de “indignados”. Wagner dejo pronto al personaje, pero Alant Grant lo continuo, en compañía, de Norm Breyfogle durante casi una década, hasta que quizás se canso o le echaron las nuevas tendencias -aun incipientes- que coartaban la libertad de los creadores al supeditarlos a grandes arcos arguméntales sobre los que no tenían ningún control.

El primer guión de Grant para Batman es del año 88 - Detective Comics nº 583, con la aparición de Scarface - y siguió unido al personaje hasta finales de los 90, incluso fue creada una nueva revista en el 92 para acoger sus guiones: The Shadow of the Bat. Grant a lo largo de su larga contribución a la saga de Batman gozo de una gran suerte, la de poder contar habitualmente con el mismo dibujante que visualizase sus historias. A Norm Breyfogle podríamos definirlo como el típico dibujante de comics books, con un trazo quizás simplón y poco cuidado pero capaz de trasmitir fuerza y sensaciones, un hombre más preocupado por narrar que por lograr un dibujo “guapo”. Breyfogle no era un “esteta” pero tampoco un mal dibujante. Dejó al personaje antes que Grant….y se noto.

Planeta está actualmente reeditando toda esta etapa en dos colecciones. La primera, en tomos de tapas duras, recopila bajo el titulo “Batman de Norm Breyfogle” todas las historietas realizadas, junto a distintos guionistas, por dicho artista en la franquicia del murciélago. Se publican también algunas historias de la época de otros dibujantes, supongo que para completar los distintos arcos argumentales que, con frecuencia, abarcaban las diversas colecciones del personaje. La segunda, de presentación mas modesta, recopila el nuevo título de Batman creado en los 90: La sombra del Murciélago. La idea de esta nueva colección era nutrirse de la colaboración de Grant y Breyfloge, sin embargo Norm no tardo en abandonar al personaje para el que había trabajado a destajo en los últimos años. Grant se quedo solo en manos de otros dibujante y se nota, vaya si se nota.

Hay dos cosas que siempre me han llamado la atención en las grandes editoriales americanas -léase Marvel y D.C.-, su capacidad para colocar en el mercado productos que podríamos calificar de vanguardistas o rupturistas, y hasta -al menos en algunas épocas y esta fue una de ellas- con unos contenidos virulentamente antisistema ( y no hablamos de una virulencia de mero “escaparate”); la otra es la facilidad con la que editan tebeos carentes de los más mínimos requisitos formales. Se supone que una gran editorial es ante todo una máquina de hacer dinero y por tanto habría de huir de ciertos contenidos “controvertidos”, se supone también que el dinero debería de garantizar, sino buenos tebeos, al menos tebeos bien hechos.

Muchos de los guiones realizados por los británicos - recordemos las primeras historietas de Delano para Hellblazer, un furibundo panfleto antiTacheriano- rompen por completo la primera premisa. Para ver que la segunda solo se cumple a veces basta con echar un vistazo a este tebeo, horriblemente dibujado y peor narrado. Mas que obra de unos profesionales no demasiado inspirados parece hecho por alguien que pasaba por allí y le dieron un lápiz.

Y es que este tercer tomo corresponde ya a una etapa en la que Norm Breyfloge ha dejado el personaje quedando este en manos del mejor de cada casa. Y que conste que no son solo ilustres desconocidos, también nos encontramos con habituales de la editorial, como es el caso de Jim Balent, dibujante por estos años de Catwoman o Barry Kitson Smith, otra “figura” de la época. Las historias de Alan Grant en este tebeo no son especialmente entusiasmantes pero tampoco pueden calificarse de malas -algo difícil en el caso de Grant, excelente profesional- pero, claro, si encima están lastrados por un “arte” de esta categoría el resultado es para salir corriendo.

Notas:

Tanto Alan Grant como Norm Breyfogle estuvieron en el Salón del Cómic del Principado de Asturias. El primero lo hizo cuando estaba en la cúspide de su fama, el segundo cuando ya había dejado Batman y poco se sabía de él profesionalmente. Alan Grant resulto ser un individuo campechano y, como buen inglés, con mucha sed. Lo que más recuerdo de él es que mantenía una postura diametralmente opuesta a la de la mayoría de sus colegas. Los guionistas británicos fueron recibidos en América con los brazos abiertos, pero ellos - gente, al menos por aquellos años, muy radicalizada y antisistema- parecían sufrir mucho por “venderse al dólar” y aprovechaban cualquier ocasión para contarte lo que sufrían fabricando aquellos productos. La postura de Grant - que también era un hombre de izquierdas- no podía ser más distinta, el estaba feliz por trabajar en un personaje tan famoso como Batman y por ganar por primera vez en su vida mucho dinero, también confesaba su sorpresa por la escasa injerencia de los editores en su trabajo y como aceptaban sin mayores problemas guiones realmente “burros”. Eso sí, los americanos tenían algo muy claro: los tebeos tenían que venderse, mientras se cumpliese esa premisa pasaban de todo lo demás. Ignoro si es esa hoy día la situación en el tebeo americano, pero me parece que, salvo productos muy concretos, el control es hoy mucho mayor.

El Norm Breyfogle que conocí era una persona mucho mas introvertida que su compañero, estaba ya bastante alejado del cómic convencional y soñaba con realizar otro tipo de obras. Las escasas noticias sobre él me llevan a pensar que no lo consiguió.

Descargas: El Wendigo Nº 87

2012-01-17T02:05:00.000+01:00

PINCHA EN LA IMAGEN PARA DESCARGAR

NECA Terminator Collection serie 2: Análisis del “Police Station Assault T-800” (Arnold Schwarzenegger, Terminator) por Miguel Díaz González

2012-01-17T02:00:00.002+01:00

Ya os lo dije en la anterior reseña del “Battle Damaged Tech Noir T-800”, os dije que volvería y ya tenemos de nuevo entre nuestras filas al Terminator. Precisamente al que dijo la legendaria frase de “volveré” (en inglés “I´ll be back”), que Arnold Schwarzenegger explotaría hasta la extenuación dentro y fuera de la saga “Terminator”.

Puedes comprar la serie 2 completa de “Terminator Collection” en Planeta Cómic

Hablar de esta figura no es hablar de una figura icónica dentro de la saga iniciada con “Terminator” (James Cameron, 1984). Es hablar directamente del icono, este “Police Station Assault T-800” es el Terminator ochenteno por excelencia y junto con “Conan El bárbaro” y “Comandos” el aspecto más reconocible de Arnold Schwarzenegger. Posiblemente me atrevería a decir que, de entre las tres películas citadas, esta es la representación más mitológica de Arnold Schwarzenegger.

NECA parece haber sido muy consciente de esto porque el “T-800” que nos ocupa me parece con abrumadora diferencia la mejor figura que esta compañía a realizado sobre el Cyborg más famoso de todos los tiempo. La calidad de esta figura es tal que temo que con el tiempo se recotice de una forma anormal de no ser re-editada. De entre toda la colección este es el único Terminator que tiene una escultura y un pintado absolutamente impecables, incluso en la cabeza que muestra el ojo cibernético, ahí resultaba muy fácil que los chicos de NECA la cagasen pero no. Esta figura es la inesperada joya de dos series que ya eran bastante buenas, el equivalente “Terminator” al “Masked Classic Predator” visto en “Predators serie 3”. 2011 ha resultado ser un año curioso para NECA, esta compañía ha alcanzado altas cuotas de mediocridad y de asombrosa calidad de forma simultánea.

EQUIPO:

Escultura:

Kyle Windrix

Pintado:

Jon Wardell

Geoffrey Trapp

Prototipos:

Adam Smith

HISTORIA DEL PERSONAJE

En inglés:

“TARGET IDENTIFIED

Specs: Model T-800 {Police Station Assault}

-The Cyberdyne Systems Model 101 Series 800 Terminator aas sent back in time from the year 2029 to 1984 to kill Sarah Connor, the future mother of John Connor, the future leader of the human resistance.

-After repairing the damage sustained during the initial confrontation with Sarah Connor and Kyle Reese the T-800 resumes its mission to terminate Sarah. Now heavily armed with a shotgun and machine gun the Terminator wages a one man war against an entire police station.”

En español:

“OBJETIVO IDENTIFICADO

Especificaciones: Modelo T-800 { Police Station Assault }

-El modelo Terminator 101 serie 800 de Cyberdyne Systems es enviado atrás en el tiempo a desde el año 2029 a 1984 para matar a Sarah Connor, la futura madre de John Connor, el futuro líder de la resistencia humana.

-Después de reparar los daños producidos durante la primera confrontación con Sarah Connor y Kyle Reese el T-800 retoma su misión de exterminar a Sarah. Ahora que está fuertemente armado con una escopeta y una ametralladora, el Terminator iniciará una guerra ente un solo hombre y toda una estación de policía.”

La historia del “Police Station Assault T-800” está parcialmente reutilizada de la del “Tech Noir T-800”, utilizando al completo el primer párrafo. Si se juntasen las partes diferentes de las historias del “Tech Noir T-800”, “Battle Damaged Tech Noir T-800” y el “Police Station Assault T-800” prácticamente recrearíamos la historia completa del Terminator hasta el asalto a la comisaría de policía. Me pregunto si en futuras figuras se completará la historia completa de “Terminator” (James Cameron, 1984) desde la perspectiva del T-800.

Ya puedes tener todos los T-800 de la trilogía original

ESCULTURA: En un vistazo primerizo cualquiera diría que esta figura conserva más del 70% del “Tech Noir T-800” esculpido de forma casi simultánea por Kyle Windrix. De cintura para abajo se trata de la misma figura y el torso es el mismo, lo que ha cambiado es la cazadora de cuero que recubre el torso, cuya escultura es la de la camisa a colorines de los “Tech Noir T-800” como dije antes. Lo sorprende de este trabajo es que la figura apesta a nuevo, apenas da la sensación de ser una reutilización de trabajos anteriores, NECA siempre tuvo el lastre de no conseguir disimular sus reutilizaciones pero con esta figura y con el “Masked Classic Predator” lo ha bordado este año.

Lo único que realmente aporta “de nuevo” el “Police Station Assault T-800” son los brazos y las dos nuevas cabezas, aunque estas últimas también parten de las esculturas realizadas para el “Battle Damaged Tech Noir T-800” e incluso es posible que la cabeza dañada en combate fuese creada originalmente para esa figura. Tampoco es conveniente olvidarse del excelente trabajo realizado con la cazadora de cuero que cubre el torso, que es posiblemente la más minuciosamente esculpida por Kyle Windrix y no me extrañaría nada que pronto se anunciase una versión 12” o 18” inch de esta figura, por su calidad escultórica al menos soy de los que opinan que la merecería.

Las dos nuevas esculturas faciales de este T-800 son directamente las mejores de esta colección y empatan con la versión 12” inch del “Pescadero Scape T-800”. El nivel de minuciosidad de la versión dañada en combate es digno de elogio y aquí si es la mejor cabeza dañada esculpida por Kyle Windrix cuyo parecido con el Arnold Schwarzenegger fílmico es simplemente asombroso. Poco o nada tiene que envidiarle la versión con gafas de sol del “Police Station Assault T-800”, solamente tiene un punto extraño a la hora de reflejar los rasgos del actor, si se mira frontalmente parece que no termina de ser él, creo que el fallo está especialmente en la parte del mentón.

Los brazos son el último punto a destacar, aquí si que no se puede decir nada realmente relevante porque siguen la misma tónica que el escultor ha usado con todas las figuras de Terminator en plan motero que hemos visto hasta ahora: Buena reproducción de las arrugas del traje y minuciosa reproducción de los guantes. Esto, a día de hoy no es decir poco, sino todo lo contrario.

ARTICULACIONES: Tiene las mismas articulaciones que los anteriores T-800, mueve cabeza, brazos, codos, manos, cadera y pies. Pese a que tiene seis articulaciones “en bola” (situadas en cabeza, brazos y manos) y 2 de tipo cortante (en los codos) la estética de la figura no se resiente lo más mínimo (algo habitual en los T-800 de NECA) y tampoco presenta ningún problema a la hora de sostenerse en pie.

Hasta aquí puede decirse exactamente lo mismo que del “Tech Noir T-800” y del “Battle Damaged Tech Noir T-800” pero el “Police Station Assault T-800” presenta virtudes y defectos nuevos en este campo. Las virtudes son bastante obvias para quien haya desembalado esta figura, todo se refiere a la movilidad del producto. En contraposición a sus compañeros de colección puede mover cualquiera de sus articulaciones sin el menos problema, sacándole el merecido partido a las 10 articulaciones de la figura y gracias a la buena combinación pintado-escultura-articulaciones resulta muy difícil que alguna pose pueda dañar la estética de la figura. Puede ser que en esto también haya influido la estructura anatómica del traje, que ahora ya no tiene unas mangas tan gruesas como las de las versiones “Tech Noir” pero en líneas generales hay que reconocer que en las figuras de “Terminator Collection” han sido corregidos casi todos los problemas de este apartado, especialmente los referentes a problemas de ruptura de punto de articulación.

Los defectos de esta figura son tan llamativos y fáciles de detectar como sus virtudes, principalmente destaca lo difícil que resulta intercambiar ambas cabezas. El “Police Station Assault T-800” se resiste tanto a la extracción de sus cabezas intercambiables que requiere técnicas de reblandecimiento de plástico para no poner a la figura en verdadero peligro. Con esto no quiero decir que la articulación “en bola” del cuello presente el menor problema de movilidad, simplemente que es muy difícil realizar el intercambio de cabezas. Otro defecto a tener en cuenta es la imposibilidad de colocar en poses características de la película a esta figura, recalcaré esto con más detenimiento en la sección de accesorios.

PINTADO: Siendo objetivo al máximo y teniendo en mi posesión todas las figuras de 18cm de esta colección más el “T-800 Endoskeleton” aparecido en “Cult Classics serie 3”, me atrevo a afirmar que se trata del T-800 mejor pintado de esta colección, solo el diorama del citado “T-800 Endoskeleton” rivaliza con esta maravilla. Para encontrar Terminators igual de bien pintados dentro del seno de NECA ya tendríamos que recurrir a las versiones 12” inch del “Pescadero Escape T-800” y del “Final Battle T-800”. Con esto ya os podéis hacer una idea de la calidad de este producto. Esta es una de las pocas figuras de NECA sobre la saga “Terminator” que rivaliza con el gran trabajo realizado por McFarlane en su colección de 7 figuras sobre “Terminator 3”.

La minuciosidad en los detalles es lo que termina por hacer de este trabajo un producto vencedor. Aunque hay muchas partes de la figura que han sido tratadas de una forma sobresaliente tengo que destacar el ojo biónico donde la combinación piel-sangre-metal más luz roja de las pupilas artificiales está llevada a cabo de una forma sobresaliente, hasta con pequeñas tonalidades negras para crear una especie de efecto de sombreado. El excelente pintado, combinado con una escultura de Kyle Windrix no menos minuciosa hace que esta cabeza luzca uno de los mejores acabados faciales realizados tanto sobre Terminator como sobre Arnold.

Entre los demás detalles que merecen la pena resaltarse tampoco podemos ignorar el acabado de la “cabeza con gafas de sol” que tiene uno de los mejores pintados de gafas de sol de Terminator jamás vistos en esta escala y es el mejor pintado de NECA, aunque las gafas si podrían mejorarse un poquito más. Entre el resto de buenos detalles a destacar están el pintado de los botones metálicos, la cremallera, el cinturón y el prefecto uso de las manchas de sangre de la parte trasera de esta figura, haciendo que este T-800 esté más dañado en combate que el propio “Battle Damaged Tech Noir T-800”.

El pintado del pelo y de las tonalidades “color carne” de la cabeza también han sido sustancialmente mejoradas, diferenciándose ahora incluso las tonalidades de los labios con respecto al resto de la cara. Más de lo mismo pasa con los ojos que ahora tienen un estilo mucho más diferenciado y menos artificioso, de lo mejor que NECA ha hecho en 2011.

FALLOS FÍLMICOS: Esta sección puede resolverse muy fácilmente: No tiene ni uno. Solamente se le podría reprochar la inclusión de la cabeza con el ojo cibernético, este ojo lo muestra en la escena de auto-reparación y en la persecución final sobre Sarah Connor y Kyle Reese. Por lo demás 0 fallos, los de NECA ha exterminado cualquier posibilidad de error.

Las capturas prácticamente las dejo para que quede constancia del gran parecido entre la figura y su homónimo fílmico. Las articulaciones aportan la ventaja de poder posicionar a este T-800 en casi cualquier pose de la película con la única excepción del momento en el que el T-800 reposa su escopeta sobre el hombro izquierdo. Aquí no hubiera estado demás algún brazo intercambiable.

ACCESORIOS: Si se trataba de hacer una figura que tratase de reflejar el asalto a la estación de policía cualquier fan que se precie tendría que presuponer que la figura incluiría un mínimo de dos armas. Por fortuna se cumple el mínimo e incluso se supera lo esperado. La figura finalmente incluye una ametralladora, un rifle y una cabeza intercambiable. Un total de tres accesorios que puede parece poca cosa en cifras estrictamente numéricas pero que resulta ser una cantidad bastante buena porque los accesorios incluidos son considerablemente espectaculares. Las dos grandes estrellas de la función son las dos amas incluidas, bastante fieles al film y bien esculpidas, tampoco presentan problemas de colocación ni tienen dobladura alguna, algo que es muy típico en este tipo de coleccionables. De entre todos los T-800 de NECA estamos ante uno de los que mejor disposición de armas tiene, solamente le hacen sombra el “Battle Across Time T-800” de “Terminator 2 serie 3” y el “Cyberdyne Showdown T-800” de “Terminator 2 serie 2”.

El otro gran accesorio a tener en cuenta es la cabeza aunque parece que este accesorio pertenece más al “Battle Damaged Tech Noir T-800” que a esta figura. La cabeza pertenece a la escena en la que el T-800 se auto-repara pero no va sin sus gafas en ningún momento del asalto a la comisaría de policía. Esto es otra demostración más de que NECA ha planeado los tres T-800 de “Terminator Collection serie 2” y “Terminator Collection serie 1” como figuras intercambiables cuya verdadera “gracia” es poder combinarlas entre sí. Personalmente yo le hubiera puesto la cabeza sin daños del “Battle Damaged Tech Noir T-800” a esta figura y hubiera puesto la versión con el ojo cibernético para su compañero de colección, donde si tenía más sentido que hicera acto de presencia.

En este apartado no puedo considerar que todo está perfecto, el único error de consideración que han cometido los chicos de NECA ha sido la no inclusión de un brazo izquierdo alternativo que permita obtener la pose con la escopeta reposada sobre el hombro izquierdo mientras dispara la ametralladora con la mano derecha.

LAS VERSIONES: En el caso de esta figura no me voy a limitar a comparar este producto con el “Battle Damaged Tech Noir T-800” y el “Tech Noir T-800” o con las figuras del T-800 de “Terminator 2” fabricadas por la propia NECA, ni siquiera voy a compara la presente figura con algún trabajo de McFarlane, que como suelte a la palestra sus figuras de “Terminator 3” me arriesgo a dejar este excelente producto en mal lugar.

En este caso quisiera ilustrar con unas cuantas imágenes hasta que punto NECA creó los tres T-800 de los “Terminator Collection” para que pudieran ser utilizados como figuras intercambiables para crear tu propio T-800 personalizado. Usar esta capacidad puede ser la mejor forma de demostrarle al fan que esta vez todo ha sido concebido de forma deliberada con este fin y lo mejor es que no se incurre en el infantilismo, como podría ser de esperar.

En la primera imagen individual podéis contemplar una fusión del “Battle Damaged Tech Noir T-800” y del “Police Station Assault T-800”. Lleva la cabeza con gafas de sol del y el del “Police Station Assault T-800”. El resto es del “Battle Damaged Tech Noir T-800”, como podéis ver queda un resultado considerablemente más espectacular que el de cualquier T-800 normal de esta colección y le he dado un aire ligeramente enrarecido.

Ahora lo que veréis es una combinación entre el “Police Station Assault T-800” y el “Tech Noir T-800” con el único objetivo de poder homenajear uno de los posters más característicos del primer “Terminator” (James Cameron, 1984). Justamente estoy evocando el que viene reproducido en las cajas de esta colección. También tengo que advertiros que la pose está forzada, no puede ponerse de forma natural.

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Descargas: LA TRAMA NEGRA

2012-01-17T01:00:00.000+01:00

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No teníamos pensado poner esto hasta que saliese en su día el Wendigo correspondiente pero debido a que en nuestro último artículo contra la forma el nombramiento de Jorge Iván Arguiz como vicepresidente del “Festival de cine de Gijón” dos tertulianos han pedido que se ponga en descarga directa, pues aquí lo tenéis. Saquen sus propias conclusiones.

Estrenos de cine [20/01/2012]

2012-01-15T21:33:00.002+01:00

Bunraku

Título: Bunraku
Título Original: Bunraku
Género: Thriller Acción
Nacionalidad: USA
Año: 2010
Director: Guy Moshe
Guión: Guy Moshe
Reparto: Josh Hartnett, Demi Moore, Woody Harrelson, Ron Perlman, Kevin McKidd, Jordi Molla, Gackt, Shun Sugata
Web Oficial: http://www.tripictures-spain.com/bunraku/

Sinopsis: Un misterioso vagabundo (Josh Harnett) y un joven samurai (Gackt) llegan a una ciudad que vive aterrorizada por los más violentos y extraños criminales. Al llegar conocen a un enigmático personaje (Woody Harrelson) que regenta un local de alterne y que les aporta la experiencia y la sabiduría para que, unidos, se enfrenten a las fuerzas malvadas que dominan la ciudad, por un lado, el grupo formado por los hombres de Nicola (Ron Perlman) un corrupto y sanguinario asesino, y por otro, a Lady Alexandra (Demi Moore) una mujer fatal con un oscuro pasado.

Trailer: http://www.dailymotion.com/video/xmynib_bunraku-trailer-espanol_shortfilms#from=embediframe

Jack y su Gemela

Título: Jack y su Gemela
Título Original: Jack and Jill
Género: Comedia
Nacionalidad: USA
Año: 2011
b]Director[/b]: Dennis Dugan
Guión: Steve Koren, Robert Smigel, Ben Zook
Reparto: Adam Sandler, Al Pacino, Katie Holmes, Dana Carvey, Natalie Gal, Shaquille O'Neal, Regis Philbin, Santiago Segura, Valerie Mahaffey, Krystle Mataras, Katelyn Pacitto, Yvette Rachelle, Fatimah Hassan, Luis Fernandez-Gil, Tiffany Mataras
Web Oficial: http://www.jackandjill-movie.com/
Web Oficial en español: http://www.jackysugemela.com/

Sinopsis: La vida de Jack (Adam Sandler) era prácticamente perfecta, salvo un atormentador detalle: Jill (Adam Sandler), su hermana gemela. Cada año se ve obligado a tolerar la visita en Acción de Gracias de su agobiante hermana, que se especializa en poner sus vidas patas arriba en cuestión de días. Cuando la intrusión de fin de semana se alarga al mes, comienzan las típicas peleas, bromas y discusiones de hermanos gemelos. Cuando todo parece indicar que Jill se piensa quedar, Jack emplea sus artimañas con la esperanza de que Jill vuelva al lugar que le corresponde: al otro lado del país.

Trailer: http://www.dailymotion.com/video/xlhw4n_jack-y-su-gemela-trailer-espanol_shortfilms#from=embediframe

Los Descendientes

Título: Los Descendientes
Título Original: The Descendants
Género: Comedia, Drama
Nacionalidad: USA
Año: 2011
Director: Alexander Payne
Guión: Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash
Reparto: George Clooney, Shailene Woodley, Beau Bridges, Robert Forster, Judy Greer, Matthew Lillard, Michael Ontkean, Rob Huebel, Mary Birdsong, Sonya Balmores, Scott Michael Morgan, Nick Krause, Matt Corboy, Milt Kogan, Amara Miller
Web Oficial: http://www.who-is-he.org/
Web oficial en español: http://www.losdescendientes.es/

Sinopsis: Basada en una novela de Kaui Hart Hemmings.

La historia se desarrolla en Hawái y sigue el imprevisible viaje que emprende una familia norteamericana en un momento crítico. Matt King (George Clooney), casado y padre de dos niñas, se ve obligado a reconsiderar su pasado y a encauzar su futuro cuando su mujer sufre un terrible accidente de barco en Waikiki. Matt intenta torpemente recomponer la relación con sus hijas –la precoz Scottie, de 10 años (Amara Miller), y la rebelde Alexandra, de 17 (Shailene Woodley)–, al mismo tiempo que se enfrenta a la difícil decisión de vender las tierras de la familia. Herencia de la unión entre la realeza hawaiana y los misioneros, los King poseen algunas de las últimas zonas vírgenes de playa tropical de las islas, de un valor incalculable.

Cuando Alexandra suelta la bomba de que su madre tenía una aventura amorosa en el momento del accidente, Matt tiene que empezar a mirar con ojos nuevos toda su vida, por no hablar de su herencia, durante una semana plena de cruciales decisiones. Con sus hijas a cuestas, Matt se embarca en la azarosa búsqueda del amante de su mujer. A lo largo del camino, donde se van alternando encuentros divertidos, conflictivos y trascendentales, Matt comprende que por fin se halla en la buena dirección para reconstruir su vida y su familia.

Trailer: http://www.dailymotion.com/video/xmbydo_los-descendientes-trailer-espanol_shortfilms#from=embediframe

Oro Negro

Título: Oro Negro
Título Original: Black Gold
Género: Drama
Nacionalidad: Francia
Año: 2011
Director: Jean-Jacques Annaud
Guión: Jean-Jacques Annaud, Menno Meyjes
Reparto: Antonio Banderas, Tahar Rahim, Mark Strong, Freida Pinto, Riz Ahmed, Liya Kebede, Akin Gazi
Web Oficial: http://www.blackgold-themovie.com/

Sinopsis: Adaptación de la clásica novela épica The Great Thirst, de Hans Ruesch.

Principios del siglo XX, Arabia. Bajo el implacable cielo del desierto, dos jefes tribales se declaran la guerra y se enfrentan. Los cuerpos de sus guerreros quedan esparcidos por el campo de batalla. Nesib, emir de Hobeika (ANTONIO BANDERAS), es el vencedor e impone las condiciones a su rival Amar, sultán de Salmaah (MARK STRONG). Aceptan no intentar hacerse con la tierra de nadie que separa los dos reinos, conocida como Franja Amarilla. Como garantía, y de acuerdo con las leyes tribales de entonces, Nesib “adoptará” o, mejor dicho, se llevará como rehenes a los dos hijos de Amar, llamados Saleeh (AKIN GAZI) y Auda (TAHAR RAHIM). Pasan los años, y Saleeh, que es un guerrero nato, se muere de ganas de escapar de la jaula dorada en la que está encerrado y regresar a las tierras de su padre. Sin embargo, a Auda solo le importan los libros y el conocimiento. Un día, llega un empresario de Texas (COREY JOHNSON) para ver a Nesib, y le cuenta al emir que hay petróleo en sus tierras. Le promete riquezas que van mucho más allá de lo que pueda imaginar.

Nesib ya ve un reino con carreteras, escuelas y hospitales construidos gracias al oro negro escondido debajo de la arena. Pero hay un problema: el petróleo está en la Franja Amarilla.

Saleeh muere en su intento de escapar y volver al reino de su padre. El joven Auda deberá encargarse de negociar una paz duradera entre el sultán y el emir. Nesib decide casar a su bella hija, la princesa Leyla (FREIDA PINTO), con Auda. Aunque la unión es una treta política de la que se sirve Nesib para no verse obligado a respetar el tratado de paz que pactó con Amar, para Auda y para Leyla simboliza un nuevo comienzo, la consagración del amor que sienten desde su infancia y la posibilidad de transformar el mundo que les rodea. Auda parte hacia Salmaah en calidad de emisario pacífico. Al reunirse con su padre Amar, descubre otra vida basada en la devoción, la piedad y la humildad. Su padre le propone una tarea casi imposible: cruzar el terrible desierto de la Casa de Alá en compañía de su medio hermano Ali (RIZ AHMED) y una banda de ladrones desarrapados que servirá de señuelo. Amar quiere engañar a Nesib para tener el tiempo suficiente de movilizar a un ejército y conquistar el reino de Hobeika. Durante ese periplo, en el que Auda deberá librar numerosas batallas contra tribus y clanes rivales, además de liberar a la bella esclava Aisha (LIYA KEBEDE), se transformará de amante de los libros en líder de hombres.

Ha llegado el momento del último enfrentamiento para hacerse con el control de la Franja Amarilla, de los dos reinos y, sobre todo, del futuro.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=J14fvFLdEF4&feature=player_embedded

Sombras del tiempo

Título: Sombras del tiempo
Título original: Schatten der Zeit
País: Alemania
Estreno en USA: 12/05/2005
Estreno en España: 20/01/2012
Productora: Fanes Film, CP Medien AG, Diana-Film, Moondragon Films, Vierte Beteiligung KC Medien AG & Co. KG
Director: Florian Gallenberger
Guión: Florian Gallenberger
Reparto: Tannishtha Chatterjee, Prashant Narayanan, Irrfan Khan

Sipnosis: Narra una trágica historia de amor entre dos jóvenes que se enamoran desde su más tierna infancia: él, fabricante de alfombras y ella, joven bailarina de burdel. Cuando se separan, prometen reencontrarse en el Templo de Shiva cada noche de luna llena. Esta triste historia de amor expone los problemas en India causados por el poder del dinero en una sociedad en la que no todos poseen los medios económicos suficientes para poder vivir felices...

Trailer: http://www.dailymotion.com/video/xnn16l_sombras-del-tiempo-trailer-espanol_shortfilms#from=embediframe

Almanya: Bienvenido a Alemania

Título: Almanya: Bienvenido a Alemania
Título original: Almanya - Willkommen in Deutschland
País: Alemania, Turquía
Estreno en España: 20/01/2012
Productora: Roxy Film GmbH
Director: Yasemin Samdereli
Guión: Yasemin Samdereli, Nesrin Samdereli
Reparto: Fahri Ögün Yardim, Demet Gül, Vedat Erincin, Lilay Huser, Denis Moschitto, Petra Schmidt-Schaller, Aylin Tezel, Manfred-Anton Algrang, Aliya Artuc, Antoine Monot Jr.

Sipnosis: Después de vivir 45 años en Alemania como un “Gastarbeiter” (trabajador invitado) turco, Hüseyin Yilmaz, setenta años cumplidos, anuncia a su familia que ha comprado una casa en Turquía y que todos deben volver con él para hacer las reformas necesarias. La familia no se siente en absoluto atraída por la idea y todos empiezan a discutir acaloradamente. Por si no fuera bastante, Canan, una nieta de Hüseyin, decide anunciar que está embarazada y que el padre es su novio inglés, del que nadie sabía nada. Para consolar a su primo Cenk, de seis años, al que trataron de “extranjero” el primer día de colegio, Canan decide contarle la fantástica historia de por qué acabaron todos en Alemania a pesar de no ser alemanes.

Viajan en el tiempo a un maravilloso lugar donde una pequeña familia turca descubre una tierra poblada de gigantes rubios que comen cerdo, sacan a unas ratas muy gordas a pasear con correa, beben agua llamada Coca-Cola, adoran a un hombrecito en una cruz de madera y usan un galimatías ininteligible, una tierra llamada ALMANYA.

Trailer: http://www.dailymotion.com/video/xnfzyc_almanya-bienvenido-a-alemania-trailer-espanol_shortfilms#from=embediframe

Fuentes: http://www.estrenosdecine.net
http://www.youtube.com
http://www.google.es
http://www.elseptimoarte.net/

P.D: Estos estrenos pueden tener cambios de última hora

Crítica de “Freddy vs Jason” por Miguel Díaz González

2012-01-13T20:31:00.002+01:00

Ficha Técnica:

Titulo original: Freddy vs jason.
Año: 2003.
País: USA.
Duración: 94 min.
Director: Ronny Yu.
Guión: Damian Shannon, Mark Swift, David Goyer.
Producción: Robert Shaye, Stokely Chafin, Sean S. Cunningham.
Fotografía: Fred Murphy.
Música: Graeme Revell.
Montaje: Mark Stevens.
Diseño de producción: John Willett.
Reparto: Robert Englund, Ken Kirzinger, Monica Keena, Kelly Rowland, Jason Ritter, Christopher George y Lochlyn Munro.

Sinopsis:

Respectivos problemas familiares han hecho que Freddy Krueger “Pesadilla Final: La muerte de Freddy” y Jason Voorhees “Viernes 13: El final. Jason se va al infierno” acaben en el infierno. La desolada ciudad de Springwood renace y los padres deciden utilizar Hypnofil sobre cualquier infante que sueñe con Freddy. El Hypnofil es una droga experimental que había sido usada por Nancy Thompson en “Pesadilla en Elm Street 3: Los guerreros del sueño” para suprimir completamente los sueños. Olvidado y sin almas que potencien sus poderes sobrenaturales, cualquier tentativa de Freddy para regresar a sus antiguas aficiones queda frustrada condenando al Slasher a su lenta desaparición definitiva.

Freddy, en un último intento, encuentra en el infierno el alma durmiente del imparable no-muerto que asoló Crystal Lake: Jason Voorhees. El señor de las pesadillas decide utilizar la apariencia de Pamela Voorhees, madre de Jason, para liberarlo del infierno y manipularlo para que siembre el terror en Elm Street, esto hará que sus habitantes teman que se trate del retorno de Krueger provocando que invoquen su recuerdo.

Freddy vuelve a ser omnipotente en el mundo de las pesadillas y reinicia su devastador reinado de terror. Con lo que no cuenta es con que Jason Voorhees es la mismísima encarnación de la venganza y tampoco parará hasta eliminar a todos los adolescentes de Springwood. Freddy urdirá un nuevo plan para llevar a Voorhees al mundo de las pesadillas donde espera derrotarlo con facilidad pero Freddy nunca se ha enfrentado a nada como Jason: Un ser tan absolutamente imparable y destructivo como él. Con las reglas de la realidad patas arriba empezará un increíble combate entre dos de los mayores monstruos de todos los tiempos, nadie estará a salvo despierto o dormido.

Crítica:

Vista en retrospectiva parece que “Freddy versus Jason” fue la última opción para despuntar en Hollywood de un Ronny Yu considerablemente desgastado por el considerable fracaso en taquilla de su semi-desconocida “Negocios Sucios”(2001) que no pudo salvarse ni con la actuación de un correcto Samuel L. Jackon. Apostando por el éxito del director asiático con “La novia de Chucky” (1998), que logró una recaudación de más de 50 millones de dólares en todo el mundo, se le encomendó la tarea de volver a dirigir a otra pareja de Slashers en “Freddy vs Jason”, esta vez sí que logró un éxito comercial sin precedentes “Freddy vs Jason” logró recaudar la friolera de casi 120 millones de dólares en todo el mundo, parecía que las puertas de Hollywood tendrían que quedar abiertas para él pero Ronny Yu ha demostrado ser un director sin ningún tipo de personalidad propia que solamente se salva de la mediocridad por ser un “Yesman” de primera y por poseer una buena factura visual. Prueba de esto son sus siguientes películas “Fearlees - Sin miedo” (2006) no logró ni recaudar medio millón de Euros en Inglaterra ni contando con el afamado “Action-Hero” Jet-Li a sus órdenes y su trabajo en la serie “Terror en estado puro” con el título de “Family Man” ha dejado mucho que desear.

Ronny Yu pertenece a una generación de directores chinos a los que solamente se les puede considerar como maestros de pirotecnia, serían el equivalente a esos directores americanos que hacen “Fast Movies” de consumo rápido sin ningún atisbo de personalidad propia o de originalidad. La diferencia es que directores como Ronny Yu, Ang Lee, Zhang Yimou o Tsui Hark son capaces de una utilización de los colores que resultaba bastante inaudito para Hollywood. De esta camada es muy posible que los que más se hayan alejado del cine de consumo rápido hacia títulos de carácter más crítico y/o independiente sean Zhang Yimou y Ang Lee, este último sorprendió a propios y extraños con una adaptación de “Hulk” (2003) de carácter cuasi-teatral. Desgraciadamente Ronny Yu es de los que se ha quedado atrapados en el cine más comercial donde tampoco ha terminado de triunfar ya que “Freddy vs Jason” fue su último gran éxito comercial.

En esta entrega los adolescentes se parten con Jason

El efectismo visual del director chino le vendría de perlas en esta película donde lo que realmente importa son las coreografías de los actores (me refiero a Robert Englund y a Ken Kirzinger, no piensen mal) y el uso, por no decir abuso, de los efectos especiales. Si en anteriores reseñas sobre la saga “Pesadilla en Elm Street” se apuntaba el rumbo que tomó la saga hacia el “Grand Guignol” ahora ya se puede afirmar que los personajes de “Viernes 13” y “Pesadilla en Elm Street” han quedado reducidos a una versión Trash de “El correcaminos” o de “Tom y Jerry”, llegando al extremo de que en la pelea que tiene lugar en las calderas Freddy aplasta a Jason como si se tratase del típico Gag de aplastamiento con Yunque visto hasta la saciedad en cualquier “Looney Toon”. En definitiva, el verdadero espíritu de la película se puede resumir así:

¡PIM!

¡PAM!

¡PUM!

Resulta bastante triste contemplar como un hombre del saco moderno como Freddy Krueger queda reducido a un bufón de pacotilla en películas como “Pesadilla Final: La muerte de Freddy” (Rachel Talalay, 1991) y el título que nos ocupa. El potencial como latente amenaza psico-social que tenía en la primera entrega y que fue potenciado en “Pesadilla en Elm Street 2” y “Pesadilla en Elm Street 3: Los guerreros del sueño” (Chuck Rusell, 1987) se ha perdido definitivamente. Krueger ya no es capaz de ni de matar una sola fémina, algo que en la saga original no ha vuelto a hacer desde “Pesadilla en Elm Street 5” (Stephen Hopkins, 1989) , cualquier resquicio de Krueger como asesino fálico ha sido borrado pero no se preocupen, aún tenemos a Robert Englund usando todo su repertorio de caras bufonescas y de sonrisas exageradas, si eso no les convence unos buenos especialistas doblan al actor y ponen al Slasher a hacer un Kung Fu que ni Bruce Lee en sus mejores tiempos. Lástima que esta nueva aportación tire por tierra todos los esfuerzos que Wes Craven hizo con “La nueva Pesadilla de Wes Craven” (Wes Craven´s New Nightmare, 1994) .

Por su parte, la saga “Viernes 13” nunca ha tenido un nivel fílmico de tanta calidad como su homónimo pesadillesco. Las entregas de Voorhees siempre han sido “Fast Movies” divertidas y de consumo rápido, pese al disparate en el que se había convertido la saga últimamente con un Jason Voorhees viajando por New York, el infierno, el espacio y por donde pinte. Lo que salvaba a Jason casi siempre era el buen hacer de Kane Hodder en el papel del Slasher. Lo innegable es que Hodder consiguió dotar a esta imparable máquina asesina de una personalidad propia, algo que hasta la fecha era muy difícil en los asesinos del tipo “hombre con máscara que mata”, la única excepción pude que fuese “La Matanza de Texas” y su segunda parte. El problema es que en “Freddy vs Jason” se ha contratado a Ken Kirzinger, un especialista que hizo escenas de riesgo sustituyendo al propio Hodder en películas anteriores. Tanto Yu como Ken estaban más preocupados de que el personaje recordase a Frankenstein que al trabajo de Hodder (extraído de declaraciones de ambos personajes), incluso llevaba unos zapatos con tacones extra-grandes semejantes a los que usó Boris Karloff para interpretar a Frankenstein.

Lo único realmente destacable de la película es el combate final, donde por fin se ofrece el nivel de divertimento esperado en un título de estas características. Ronny Yu dirige esta parte con una celeridad muy bien planteada que potencia la sensación de violencia en el combate, unido a que no se corta un pelo a la hora de destrozar a los personajes principales consigue que un producto mediocre termine dejando buen sabor de boca.

¿Como se hizo?

El verdadero versus que dio origen a esta película no se trataba realmente de “Freddy vs Jason”, realmente empezó enfrentado a dos bestias mucho más aterradoras y no menos implacables que nuestros famosos Slashers. La verdadera pela fue la que empezó entre dos productoras, concretamente “New Line Cinema vs Paramount Pictures”. El principio de esto ya se gestó a finales de los 80, unos años antes de que se estrenase la insufrible “Pesadilla Final” (Rachel Talalay, 1991), aunque para explicar el comienzo de esto nada mejor que en palabras de Robert Shaye “Paramount se puso en contacto con nosotros, o nosotros con ellos, con la idea de hacer algo. Y ellos querían básicamente lo mismo que nosotros, que les cediéramos los derechos de Freddy Krueger para poder empezar a hacer su película pero no estábamos por la labor. Paramount terminó por perder los derechos que tenía sobre Jason y Sean Cunningham, que hacía tiempo que era amigo mío, vino a vernos y nos preguntó si estábamos interesados”.

El resultado de esto fue que finalmente New Line Cinema se quedó con los derechos de Jason Voorhees, muchos años mas tarde también terminaría por comprar a Leatherface de “La Matanza de Texas” (Tobe Hopper, 1974) para crear el “New Line Cinema´s House of Horror”, marca con la que pretendían engordar sus cuentas sobremanera explotando estos tres super-iconos del subgénero Slasher, pero eso ya es otra historia. La cesión de derechos por parte de la Paramount fue realmente extraña, el acuerdo de venta otorgaba a la New Line la capacidad de producir nuevas películas sobre Jason Voorhees y de comercial merchandising extraído de cualquier entrega de la saga. Por su parte Paramount Pictures conservaría los derechos de explotación de las 8 primeras entregas de la saga, lo que comprende desde “Viernes 13” (Sean Cunningham, 1980) hasta “Viernes 13 parte 8: Jason vuelve... para siempre” (Rob Hedden, 1989). Perder los derechos de merchandising fue un craso error por parte de la Paramount pero estos últimos contaban con la ventaja de tener los derechos absolutos de estas 8 entregas, si se tuviera que hacer un remake con el mismo títulos, tendría que hacerse con el beneplácito de Paramount y sobra decir que la compañía tendría que estar satisfecha con la parte del pastel recibida o no habría remake. Finalmente Paramount volvió a hacer caja con el infame remake de 2009 dirigido por Marcus Nispel. Lo importante en este caso es que la New Line podía hacer lo que le diese la gana con Voorhees mientras no hiciera un remake o pretendiese explotar la saga original.

El plan que tenía New Line Cinema, con Robert Shaye y Sean S. Cunningham a la cabeza, era de lo más ambicioso desde el punto de vista comercial. Se trataba de una doble jugada para explotar simultáneamente a Freddy Krueger y a Jason Voorhees tratando de exprimir al máximo las posibilidades lucrativas de ambos personajes. La idea, casi admirable por lo canallas que fueron, era la siguiente: Por un lado producir sendas “entregas finales” de ambos personajes, con esto Robert Shaye pretendía reflotar las carreras de ambos Slashers que debido precisamente a las lamentables gestiones de New Line y Paramount iban cuesta abajo y sin frenos. Con la idea de promocionar ambas películas como el final “pero ahora de verdad, para siempre” de ambos iconos los fans acudirían en masa a ver ambos títulos, o eso pensaban los productores de la New Line pero todo terminó por ser un fiasco como veremos más adelante. Por otra parte, se pretendía que el capítulo final de “Viernes 13” se dejase entrever que la siguiente película sería ni mas ni menos que un versus, los fans volverían a acudir en masa a ver el enfrentamiento de titanes y se volvería a hacer caja al máximo otra vez. De ahí aquel famoso cameo que cierra la película “Viernes 13: El final. Jason se va al infierno” (Adam Marcus, 1993) en el que Fredy Krueger aparece para llevarse la máscara de Jason Voorhees al infierno, todo servía de vehículo para allanar el camino hacia el deseado versus. Como curiosidad destacar que es Kane Hodder, el actor que intepretó a Jason durante cuatro películas incluida “Viernes 13: El final”, quien hace de Freddy Krueger durante la escena del cameo.

Lo que pasó después ya es sabido por los fans, en 1991 se estrena “Pesadilla Final: La muerte de Freddy” que es dirigida por Rachel Talalay, productora de la saga y una de las máximas responsables junto con Robert Shaye de la caída en desgracia de la saga “Pesadilla en Elm Street” a partir de “Pesadilla en Elm Street 3: Los guerreros del sueño” (Chuck Rusell, 1987). Nuestra amiga Rachel Talalay nunca había dirigido una película pese a su “Implicación” en la saga aunque ella creía ser la número uno que hacía falta para reflotar a Krueger, culpando del supuesto bajón de “Pesadilla en Elm Street 5” (Stephen Hopkins, 1989) al pobre Stephen Hopkins cuando este hombre solo contó con cuatro semanas para dirigir la película y fue ampliamente puteado por Talalay, quien al perecer estaba bastante cabreada por no haber podido dirigir ella misma la película. Rachel Talalay entró en la sexta entrega con planteamientos que salidos de su propia boca en el Fangoria Nº8 de la edición española ya metían miedo: “hemos llevado muchos de los efectos a un nivel casi digno del Correcaminos y procuramos mantenernos alejados de la sangre”. A esto hay que sumarle que Talalay destrozó a Freddy eliminando del personaje todos los matices sico-sexuales que siempre le rodeaban convirtiéndolo en burdo Grand guiñol del chiste fácil. Incluso Robert Englund declaraba en la publicación anteriormente citada “La secuencia que estamos rodando hoy tiene cuatro chistes (…) Le dije a Rachel que me parecían demasiados y que deberíamos conformarnos con un máximo de tres”. La versión “Cartoon” de Freddy Krueger terminó por ser la segunda pesadilla menos rentable de la saga y solamente fue superada por “Pesadilla en Elm Street 5”, posiblemente no ocupe el primer puesto por el efecto que produjo entre los fans que fuese vendida como el último capítulo. El plan de Robert Shaye ya empezaba a hacer aguas en las primeras de cambio.

Para reponerse del duro golpe recibido con estrena “Pesadilla Final: La muerte de Freddy” (Rachel Talalay, 1991) se apostó porque “Viernes 13: El final. Jason se va al infierno” (Jason goes to Hell: The Final Friday, Adam Marcus, 1993) reinventara completamente a Jason, no sea que utilizar una vez más la formula de siempre diese los mismos resultados. Cumpliendo el pacto que Robert Shaye y Sean S. Cunningham habían hecho, tenemos a este último de regreso a la saga como productor y no es el único que vuelve porque Harry Manfredini recupera los bártulos musicales ocupándose de la banda y Kane Hodder los bártulos de matar para volver a interpretar a Jason Voorhees. El guión de Jay Huguely transforma a Jason en una especie de remedo de “Hidden” (Jack Sholder, 1988) con ecos de otra película de Sholder, precisamente su “Pesadilla en Elm Street 2”. Tanto cambio radical en Jason provocó el rechazo frontal de los fan(áticos) de la saga y esta entrega se pegó un batacazo en taquilla de los que hacen época pero a día de hoy es valorada por su atrevimiento renovador y por sus dos célebres cameos el del Necronomicon de la saga “Posesión Infernal” (Sam Raimi, 1980) y el de Freddy Krueger. El paralelismo entre ambas entregas finales es obvio, solo hay que comparar sus títulos en inglés “Freddy´s Dead: The Final Nightmare” y “Jason goes to Hell: The Final Friday”. Hace poco, en 2009, Adam Marcus comentó lo siguiente en el excelente documental “His name was Jason: 30 years of Friday the 13th”: “Hay un montón de fans de Jason que hasta el día de hoy aún están cabreados conmigo”. La idea de Sean S. Cunningham y la New Line de crear una nueva mitología de Jason acabo por ser un considerable fiasco que actualmente es repudiado por la mayoría de fans, aunque personalmente opino que esta entrega es mucho más original que la sexta pesadilla.

Tras estos dos fiascos el mandamás de New Line Cinema decidió dar carpetazo al proyecto de “Freddy vs Jason” dado el lamentable resultado de las dos entregas precedentes y prefirió encomendar a los productores responsables de ambas sagas que se dedicasen a reinventar a sus personajes. En vez de encontrarnos con el anunciado versus vimos volver a Wes Craven con “La nueva Pesadilla de Wes Craven” (Wes Craven´s New Nightmare, 1994) en la que Freddy Krueger ahora no es el de siempre, ahora es un demonio llamado “El final de la inocencia” que intenta acceder al mundo real para castigar a aquellos que se lucraron con Freddy. La película de Craven, pese a ser la favorita de Robert Englund y la mejor planteada de toda la saga pesadillesca, no convenció ni a los críticos ni a la taquilla aunque a día de hoy se ha revalorizado enormemente siendo considerada una de las mejores entregas. Por su parte Jason regresó a la palestra de mano de Sean S. Cunningham en “Jason X” (James Isaac, 2001) pero en vez de transformarse en un demonio mitológico como Krueger terminaría transformado en un “Slasher Cyborg”. La película de James Isaac quien ya se había acercado al género Slasher en con “House 3” consiguió ser una entrega tan descerebrada como divertida y carente de pretensiones. Kane Hodder logró desquitarse del mal sabor de boca de la novena entrega siendo la estrella absoluta y logrando una mejor interpretación que llegó a recordar a su primer trabajo en “Viernes 13 parte 7”.

El reflote de la franquicia Slasher con “Scream” (Wes Craven, 1996) volvió a dar fuerzas a Robert Shaye para intentarlo de nuevo, si a esto se le suma el cambio de mandamás en la New Line hacia un nuevo productor jefa que mirase con mejores ojos el versus parecía que el camino estaba allanado. Para realizar esta película se necesitaba más dinero del habitual y Shaye encontró a Stokely Chafin por mediación de Toby Emmerich. Chafin no era profana en el punzante género Slasher, ya había producido “Se lo que hicisteis el último verano” (Jim Gillespie, 1997) película surgida a raíz del éxito de “Scream: Vigila quien llama” (Wes Craven, 1996) y que compartía guionista: Kevin Williamson.

Con todo esto listo ya se hizo firmar un contrato a Robert Englund en el año 2000, a partir de ahí empezó la caótica búsqueda de un equipo adecuado. En mención a “Freddy vs Jason” el propio Englund comentaría el “Making of” lo siguiente “Llevo dándole vueltas a Freddy vs Jason desde el 2000, desde que comenzó el milenio. Creo que firmé mi contrato entonces y hemos pasado por varios directores y varias versiones del guión (…) Iba en un avión, me había tomado dos vasos de vino, el año pasado. Iba a Londres y me encontré con uno de los productores ejecutivos de una de mis series preferidas El rey de la colina y hasta él había escrito un borrador de la película. Me contó todos los secretos y como lo veía él”. Esto puede hacer que tengáis una idea del caos que supuso dar con lo guionistas y el director adecuados según los productores, como no.

Desfilaron guionistas para dar y tomar: Lewis Abernathy, Brannon Braga, Ronald D. Moore, Peter Briggs, Ethan Reiff y así hasta 12 guionistas distintos que escribieron unos 17 borradores distintos. La trama principal de mucho de estos guiones se centraba en una secta denominada “Las cabezas de Freddy” que hacía regresar al señor de las pesadillas y por su parte Jason volvía a través de su corazón en homenaje a “Viernes 13: El final. Jason se va al infierno” (Adam Marcus, 1993), en esta trama (o tramas) la protagonista sería una chica llamada Lizzie. Robert Shaye, Stokely Chafin y Sean S. Cunningham andaban bastante acongojados con esta idea porque sonaba nuevo y nuevo sonaba a riesgo, cuando se manejan ciertos presupuestos la palabra riesgo puede hacer que le de una taquicardia a unos productores codiciosos. Por fortuna encontraron lo que buscaban en dos jóvenes muchachos llamados Damian Shannon y Mark Swift que ofrecían un guión burdo que ofrecía más de lo mismo y toneladas de guiños a las anteriores entregas de ambas sagas. Como ellos comentan “Ya habíamos trabajado para New Line y querían saber cual sería nuestro enfoque. Sabía que llevaba diez años en fase de desarrollo, así que lo abordamos de forma distinta a los demás. No hicimos cambio en la historia de los personajes ni nada. Queríamos coger ambas historias y ambos personajes como eran en sus películas y empezar desde ahí. Eso fue lo original de nuestro planteamiento. Dejarlo todo intacto, que todo valiera”. No obstante el guión de esto fenómenos del séptimo arte duraba demasiado para Stokely, unas dos horas y media, por lo que recurrió a David Goyer para que recortase guión y dejase “Todo lo bueno” según la productora. “Más de lo mismo” era lo que los productores entendían por un guión perfecto y ahora solo faltaba encontrar un director adecuado para semejante obra maestra.

El trabajo de encontrar alguien adecuado para sentarse en la silla de director resultó ser aún más agónico que el de guionistas. 12 guionistas en total se llegaron a utilizar pero en el caso de los directores se llegó a testear a la friolera de 60 talentos. Finalmente se escogió al chino Ronny Yu que había dado el do de pecho con otra pareja de Slasher en la taquillera “La novia de Chucky” y también era muy famoso por la película de culto “La novia del cabello blanco”. A los productores les interesaba el director asiático porque apenas tenía contacto con ambas sagas, es un director casi infatigable, tenía interés en los personajes y una fuerza visual fuera de lo común. Además los planteamientos de Yu eran puros “Cuando vivía en Hong Kong, de pequeño, veía muchas películas en la televisión. Muchos clásicos de terror de Hollywood, las típicas películas de miedo, de vampiros como Frankenstein contra El hombre lobo o La cosa del pantano, cosas así. Y pensé esta película tiene que volver a lo básico porque se ven demasiadas con efectos especiales digitales”. Con Ronny nuestros aguerridos productores parecieron encontrar al “Yesman” perfecto. Un nuevo Renny Harlin que quizás pudiese lograr el efecto de aquella “Pesadilla en Elm Street 4” (Renny Harlin, 1988) una película que ofreciera cero novedades pero que produjese recaudaciones de muchos ceros.

Sobre la selección del reparto no hay gran cosa que se pueda decir, los adolescentes de esta nueva entrega solamente eran nueva carne para filetear por las verdaderas estrellas: Freddy y Jason. El reparto de personajes humanos está compuesto principalmente por Monica Keena, Kelly Rowland, Jason Ritter, Christopher George y Lochlyn Munro. El verdadero follón realmente se armó con la interpretación de Jason Voorhees. Inexplicablemente se elimina al actor que había interpretado exitosamente a Voorhees en las últimas cuatro entregas, el ya famoso Kane Hodder. Se apuntaron rumores de todo tipo, desde que Kane no quiso interpretar el papel porque le parecía cursi para tratarse de Jason hasta el más fiable que apuntaba a los productores de la New Line, quienes se hubieran negado a pagarle a Hodder la suma de dinero que solicitaba por interpretar al famoso Slasher por quinta vez consecutiva. El mutismo por parte de los productores e implicado fue casi absoluto, solamente Robert Englund comentó que le hubiese gustado que Hodder interpretase a su rival y que era lo más lógico. En 2009 Sean S. Cunningham se pronunció al respecto en el ya citado documental “His name was Jason: 30 years of Friday the 13th” y comentó que “Realmente quería utilizar a Kane y entonces Ronny Yu dijo que realmente le gustaba ese otro tipo (…) Es una vergüenza de gran nivel que no llegases a hacerlo Kane”.

Las declaraciones de Cunningham aunque lamentan la exclusión de Hodder no parecen muy sinceras ¿Qué poder tenía para tal decisión un “Yesman” como Ronny Yu? Parece muy difícil de creer que la New Line se hubiera podido quedar de brazos cruzados ante la eliminación de uno de sus actores estrella… salvo que la propia New Line diese la orden. Que en el remake de “Pesadilla en Elm Street” conocido en España como “Pesadilla en Elm Street: El Origen” (Samuel Bayer, 2010) se eliminase al propio Robert Englund con resultado catastróficos solo ha conseguido que esta teoría se refuerce. Finalmente en el papel de Jason Voorhees entra el especialista Ken Kirzinger quien ya hizo de doble del propio Hodder para las escenas de riesgo en “Viernes 13 parte 8: Jason vuelve... para siempre” (Rob Hedden, 1989) así para este hombre hacer de Jason no era terreno virgen. Lástima que aportase una interpretación bastante ortopédica y no le cogiera el truco hasta los últimos momentos del metraje, aún Ronny acertó en una cosa con Kirzinger: Aportaba un aspecto mucho más titánico que Hodder.

Sobre el rodaje destacar que no hubo mayores incidentes. Ronny Yu, como buen artesano acostumbrado a trabajar en jornadas extenuantes, cumplió perfectamente los plazos establecidos aunque el presupuesto se les disparó más de lo previsto llegando a alcanzar los 50 millones de dólares, esto hace que “Freddy vs Jason” sea la entrega más cara de ambas sagas. Por fortuna esta vez el golpe les salió a pedir de boca a los chicos de New Line Cinema porque la película recaudó 40 millones de dólares solamente en USA durante el primer fin de semana, transformándose directamente en la entrega más taquillera de ambas franquicias. Si a esto se le suma los dividendos que generó en merchandising, cómics y su posterior explotación doméstica no es de extrañar que los chicos de la FOX se apuntasen al carro y diesen carta blanca a su propio enfrentamiento de monstruos con “Alien vs Predator” (Paul W. S. Anderson, 2004) pero eso ya es otra batalla.

Escenas eliminadas:

Esta película resulta estar muy surtida de escena eliminadas, por desgracia resulta que la mayoría son completamente intrascendentes o del menor interés, en líneas generales se optó por borrar todas las escenas en las que los protagonistas se daban besitos, efectos digitales mal realizados, alguna conversación anodina y en cameo de Robert Shaye como director del instituto al que van los protagonistas (la humanidad lo agradece).

Considero más prudente y de mayor interés para el lector remitirme a las escenas cuya eliminación aporte algún cambio trascendental al desarrollo del film. Seguramente las dos más interesantes son el principio y el final alternativos. Por lo demás la otra gran escena mutilada fue la de la fiesta del maizal, aunque no se cortó nada que valga la pena. Quien pueda tener acceso a todo el material eliminado se dará cuenta de que muchas escenas de asesinato perpetradas por Krueger fueron cortadas porque los FX digitales no funcionaban al nivel esperado, de cara al futuro esto se convertiría en uno de los mayores lastres del remake de “Pesadilla en Elm Street” conocido como “Pesadilla en Elm Street: El Origen” (Samuel Bayer, 2010).

Principio original: Si tuviera que escoger la escena de “Freddy vs Jason” que no tendría que haber sido eliminada bajo ningún concepto es la que da pié al principio original. Todos los que hayan visto la película recordarán que originalmente empieza con un mini-resumen de la saga “Pesadilla en Elm Street” contado por el megalomaníaco Freddy Krueger en su estado de Demonio. Tras esto se deja bien claro al espectador –como si fuera idiota- que Freddy va a entrar en los sueños de Jason Voorhees, concretamente la película empieza más o menos así:

El principio original era muchísimo más ambiguo, empezando en Crystal Lake directamente pero sin que se sepa en ningún momento en que época se desarrolla la trama o si se produce en el mundo real. Pequeñas pistas, como cuando el niño manda a tomar por el culo a la cuidadora Heather (Odessa) cuando pide ayuda, empiezan a dar a entender que estamos en un pesadilla y que Freddy está metido en el ajo.

Del guión al rodaje ya se mutilaron algunas escenas como el ataque de unos insectos sobre Heather cuando se está bañando o en el momento en que Jason tiene clavada a la chica, este la remata tras su discurso fantasmal. Antes de aparecer Freddy transformado en Pamela Voorhees se tendría que ver la silueta de Freddy a través de la niebla para culminar con la aparición de Pamela.

Me parece que este principio es bastante mejor y más sugerente que el que finalmente se utilizó, que el personaje de Heather aparezca desnudándose a primeras buenas sin saber el porqué no convence. Eliminar la escena del corte de manga de Billy –uno de los mejores gags de la película- es un despropósito. Gracias a la mutilación del principio se pasa de un comienzo sutil con un peculiar crescendo a un resumen digno de un villano salido de un cómic Pulp de superhéroes. Como curiosidades el rodaje de esta escena tardó en realizarse casi semana y media con la unidad principal y el desnudo de Heather fue impuesto por la New Line y es definido por el productor ejecutivo Douglas Curtis como “ejemplo de desnudo innecesario”.

¡Hagan sus apuestas!: Versión alargada del momento en el que Freddy Krueger aterriza en Crystal Lake solo para encontrarse de bruces con un Jason Voorhees ansioso por partirle la cara. En el montaje definitivo Jason ataca sin preámbulos de ninguna clase a un Freddy Krueger aterrorizado que apenas reacciona a sus ataques, siendo estampado posteriormente contra las ventanas.

El planteamiento original de Yu –que fue eliminado de la película contra la voluntad del director- mostraba a un Freddy muy crecido soltándole las siguientes perlas a Jason: “¡Venga! ¿Crees que te tengo miedo ahora que estamos en el mundo real? ¡Vamos! Eres lento, eres estúpido y no tienes estilo”. Ambos personajes se quedan parados un rato el uno frente al otro dando la sensación de ser un auténtico Western que sucede en el mismísimo infierno. También se elimina completamente la patada en los huevos que le propina Freddy a Voorhees y ante impasividad de Jason se le acerca y dice “ni cojones ¿he cerdo?”.

La frase “Freddy vs Jason ¡Hagan sus apuestas!” es pronunciada por Lori y se puede escuchar en el tráiler de la película, incluso en la versión en castellano, también es utilizado en la presentación promocional de “El casino”, donde Robert Englund vuelve a decirle a Jason parte de las paridas que le suelta en esta escena. Actualmente Ronny Yu sigue considerando un error la eliminación de esta escena y considera la frase “Freddy vs Jason ¡Hagan sus apuestas!” una de las mejores de la película.

Final original: La eliminación al completo de esta escena es un acierto total. Lo que tenía pensado Ronny Yu en un principio era una cursi escena de sexo entro Will y Lori que se ve truncada al descubrir que es una pesadilla provocada por Krueger -como no-.

Lo único bueno de este final es que rendía un descarado homenaje a “Pesadilla en Elm Street 2” (Jack Sholder, 1985) y que plantea la curiosidad de que es la única escena de sexo de Krueger porque Will se transforma en Freddy cuando ya está en pleno acto. Volver a ver las cuchillas orgánicas de Freddy siempre es un placer para los nostálgicos de la segunda entrega pero este no era el mejor momento para su reaparición y el abuso de efectos digitales tampoco hice demasiado bien a esta escena que demuestra una vez más la escasa capacidad actoral de los protagonistas.

Escena que introduce el final que terminó por usarse

Por el contra, el final onírico y conscientemente anacrónico que rodó en sustitución del que nos ocupa queda mucho mejor y deja en suspense cualquier posible trama futura. El final definitivo sería usado en la secuela “Freddy vs Jason vs Ash” para dejar a Freddy encerrado en la mente de Jaso, luego se supone que el final de esta película sucede en los sueños de Jason.

Curiosidades:

• El mundo onírico de Freddy Krueger está inspirado en ciudad china de Kowloon.

• La secuencia del Freddy-Oruga que homenajea a la oruga Absolom de “Alicia en el país de las Maravillas” estuvo a punto de desaparecer de la película por recortes de presupuesto. Finalmente la empresa Cinesite se hizo cargo de la escena por un precio de saldo porque estaban realmente interesados en demostrar que eran capaces y contar con Fredy Krueger como escaparate comercial era todo un sueño. Lamentablemente este ejemplo de buen uso de FX digitales no sirvió de nada porque Cinesite quebró poco después.

• El proceso de dirección fue agotador, hasta tal punto que durante varios días Ronny Yu llegó a dormir solamente unas dos horas y media.

• Para la escena en la que Freddy convierte a Jason en una peculiar bola de Pin Ball, Rober Englund se inspiró ni mas ni menos que en Elvis Presley cuando hace los movimientos pélvicos.

• La caldera de Freddy Krueger es una caldera real redecorada para la ocasión.

• Inicialmente el personaje de Gibb tendría que haber tenido un pequeño peluche llamado Mr.Nuzzle que se manchaba de sangre cuando Jason mataba a Trey.

• El diseño original de Jason contemplaba que el personaje llevase un traje con tirantes.

• Para desarrollar el enfrentamiento final entre Freddy y Jason, el director Ronny Yu se inspiró en la película Rocky como el afirma: “Lo que siempre tenía en mente mientras rodábamos era la película Rocky. Cuando la vi por primera vez la escena que realmente me impactó fue la de la pelea final cuando Apollo le de una paliza a Rocky pero Rocky aún tiene fuerzas para devolvérsela; aún con el ojo completamente hinchado y demás le dice el entrenador ¡Ábrelo! ¡Ábrelo! Eso me impresionó mucho porque se lo habren de verdad y empieza a salir un chorro de sangre. Para mí eso es crudo. Eso es puro. No es como todas esas escenas rodadas con arneses y demás. Todo el mundo copia a los demás. Saltos, vuelos y efectos especiales. Así que me dije: ‘Vamos a subir a estos dos monstruos al cuadrilátero’ Es una especie de combate de lucha libre. Me propuse recuperar la pureza de la historia. Que llegaran a arrancarse los ojos, a arrancarse el hígado, destrozarse el riñón, cortarse la cabeza de un machetazo y los dedos. Esos es crudo y puro. Con menos planos cortos (…) Así que esta vez simplemente puse la cámara ahí. Le dije al directo de la unidad auxiliar: ‘Pon la cámara ahí y deja que se hagan pedazos’ Como si fuera una tabla de cortar”.

Foro destituye a José Luis Cienfuegos como director del Festival de Cine de Gijón para sustituirlo por Nacho Carballo y Jorge Iván Argiz

2012-01-11T17:39:00.004+01:00

“Ser de la izquierda es, como ser de la derecha, una de las infinitas maneras que el hombre puede elegir para ser un imbécil” - José Ortega y Gasset -

Antes de que pueda surgir cualquier interpretación errónea de esta noticia, quisiera aclarar que no hacemos este artículo como muestra de apoyo a José Luis Cienfuegos. Su gestión, o mejor dicho su reinado, nunca se correspondieron con su talento como director del ¿afamado? Festival de cine de Gijón, todo tenía que ver con las vinculaciones políticas con el PSOE. Aún así, si alguien es puesto por un partido para desempeñar un cargo y es eficiente en el mismo no tengo absolutamente nada que objetar, más aún si el señor puesto a dedo se dedica a hacer trabajos de difusión cultural y no hace ningún tipo de folletín políticamente interesado. Precisamente soy de los que opinan que Cienfuegos incurrió con saña en los puntos comentados, a mi juicio hizo folletín político y una mala gestión. Cultura y política deberían estar cuanto más alejados mejor, por eso me parece que destituir a este señor ha sido un acierto.

Pero como dice el refranero popular “a veces es peor el remedio que la enfermedad”, digo esto porque precisamente se ha dado el cargo de subdirector del “Festival Internacional de Cine de Gijón” a alguien como Jorge Iván Argiz.

Inmoral, vergonzoso, repugnante son algunos de los calificativos que merece esta decisión de Foro Asturias. Inmoral que un partido de derechas otorgue semejante cargo a un miembro de “La semana negra de Gijón” y uno de los máximos responsables del “Festival del cómic de Avilés”. Vergonzoso que un partido de derechas premie con semejante caramelo a un persona perteneciente a un equipo que tildaba a las personas de derechas como receptáculo de los peores defectos humanos ¿o hace falta recordaros lo que decían y escribían?. Repugnante que este esperpento cultural esté pagado por el dinero de todos los ciudadanos.

¿Quién será el padrino de Jorge Iván Argiz? Me pregunto yo. Tampoco me parece casualidad que Jorge Iván Argiz venga acompañado de Nacho Carballo, quien ganó con el corto “Killer” el concurso al mejor guión-proyecto del Festival de Cortos de Avilés, que “casualmente” es del propio Argiz. Francamente la cultura en Asturias está peor que “The French Connection”.

Desde Ultramundo queremos mostrar nuestro más firme rechazo a este tipo vinculaciones político-culturales y garantizar que donde se permita que cánceres culturales como Jorge Iván Argiz campen a sus anchas viviendo del dinero del contribuyente solo encontrarán en el equipo de Ultramundo al más férreo detractor.